Dietario Rítmico

En familia

2011-04-08T18:24:00.000+02:00

The ABC & D of Boogie Woogie
Luz de Gas (5/IV/2010)

Menos gente de la que podía esperarse (los organizadores hablaban de 150 personas), en el primero de los tres conciertos consecutivos del grupo The ABC & D of Boogie Woogie en Barcelona. El pianista alemán Axel Zwingenberger, incansable apóstol de este estilo, lidera una formación en cuya nómina figura en lugar destacado el ciudadano Charlie Watts, batería de los Rolling Stones, y en la que también trabajan el contrabajista Dave Green y el pianista y cantante Ben Waters. La sesión se dividió en dos mitades, con un formato variable que comprendía dos pianos, trío (con Waters en la primera parte y Zwingenberger en la segunda) y cuarteto. En el único bis, los pianistas locales Lluís Coloma y August Tharrats se sumaron al elenco, protagonizando un fin de fiesta feliz.

Gozosa noche de ritmo, con un programa de más de veinte temas, entre ellos Sheik of Araby, Lady be good o Sympathy for the drummer (particular título en el caso que nos ocupa), y en la que las respectivas improvisaciones de los instrumentistas engrandecieron la propuesta. Hoy, jueves, última sesión.

Publicado en La Vanguardia (7 /IV / 2011)
Foto: www.rosebudus.com

Tal vez morir

2011-04-05T08:00:00.007+02:00

El Petit de Cal Eril
Bikini (2 / IV / 2011)

"Parece ser que un día de estos moriremos: será un día fantástico y muy dichoso". Palabras de Joan Pons, más conocido como El Petit de Cal Eril, pronunciadas el sábado noche en la sala Bikini. En el contexto del Festival de Guitarra de Barcelona, el cantautor de Guissona y su grupo presentaban su segundo álbum, Vol i dol, contando para la ocasión con músicos invitados como la flautista Marina Varela, el trompetista Albert Girons (La Sentina) y el guitarrista Mau Boada (Les Aus).

Según ha declarado, a Joan Pons siempre le impresionó la leyenda que puede leerse a las puertas del cementerio de su pueblo: "Sou el que nosaltres érem, sereu el que nosaltres som".Tan inevitable realidad motiva las canciones contenidas en Vol i dol, un trabajo que en cierto modo nos invita a hallar lo que de bello pueda tener la muerte, como sucede en Cau la neu, precioso retrato de un cadáver solitario en un lago helado, que supuso el primer gran momento de una velada en la que Pons no renunció jamás a la surreal retranca humorística que define su actitud escénica.

Fueron remarcables también sus adaptaciones de Les decapitacions del poeta Pere Quart, que la banda engrandeció con crescendos sanguinarios, así como Poca pena, complementada con una batucada final. Una noche de efectivo folk-rock con ciertos repuntes lisérgicos, donde también interpretó una buena cantidad de temas pertenecientes a su primer álbum (Mandolines tralarí, La Caterineta per la Mercè...), así como algunos rescates de la maqueta editada en 2007 bajo el singular título Per què es grillen les patates?

Publicado en La Vanguardia (4 / IV / 2011)
Foto: bankrobber.net

Solvencia contrastada

2011-04-03T08:00:00.004+02:00

Centro-matic
Sidecar (31 / III / 2011)

Cuatro meses después de compartir escenario con el cantautor Micah P. Hinson en el Palau de la Música, el grupo de rock estadounidense Centro-matic estaba de vuelta en Barcelona. Esta vez, actuaron en un espacio de dimensiones físicas y características vitales muy diferentes: la sala Sidecar, que los acogió en el contexto del ciclo A Quemarropa.

El conjunto se presentaba en el subterráneo de la plaza Reial después de vivir circunstancias bastante desfavorables: tras un viaje particularmente duro, descubrieron que sus instrumentos no habían llegado en el avión que les trajo a la ciudad. Pese al cansancio y a la nunca agradable obligación de tocar con herramientas prestadas, la gente de Centro-matic afrontó con gran tono y oficio su compromiso ante el público catalán.

No podía ser de otra manera, teniendo en cuenta los lazos especiales que unen a la banda con nuestro país, desde que el líder de la misma, Will Johnson, trabajara el año pasado junto a los chicos de Anímic, respondiendo a un inspirado encargo del festival PopArb.

A lo largo del mes de abril, la discográfica Houston Party empezará a distribuir en nuestro mercado el último álbum de Centro-matic, Candidate Waltz. Es sensato y deseable pensar que esta producción será objeto en el futuro de una presentación más oficial, ya que la cita del jueves tenía cierto aire clandestino o, cuando menos, de sesión orientada a los más iniciados.

En cualquier caso, el grupo tuvo a bien mostrar algunas de las canciones de su nuevo disco, como Against the line, Iso-residue o Only in my double mind. Junto a ellas, desgranó un buen puñado de piezas pertenecientes a sus álbumes anteriores, desde Fountains of fire a Covered up in mines, sin descartar por supuesto Flashes and cables, acaso el tema que despertó mayor entusiasmo entre la audiencia.

Los cuatro de Denton escribieron un concierto que les acredita como uno de los equipos más solventes del panorama actual, propietarios ya de una madurez que no hace sino reforzar su trabajo. Una propuesta que en el tramo central de la gala transitó por terreno endurecido, y que en tantas ocasiones alcanzó un vuelo muy particular, abstracto y luminoso.

Publicado en La Vanguardia (2 / IV / 2011)
Foto: centro-matic.com

Asombros

2011-04-01T19:12:00.002+02:00

Gilberto Gil
Palau de la Música Catalana (29 / III / 2011)

Liberado ya de sus responsabilidades al frente del ministerio de Cultura de Brasil, Gilberto Gil actuó en el Festival del Mil·lenni en el contexto de una gira que, como el propio artista quiso recordarnos, cuenta con el apoyo financiero de una empresa petrolífera (qué cosas). Muy en forma a sus 68 años, el de Bahía se presentó en formato acústico, secundado por su hijo Bem (guitarra, percusión) y el violoncelista Jaques Morelenbaum, caballero de acreditada trayectoria en calidad de intérprete, arreglista y productor, que ha trabajado con primeros espadas como Caetano Veloso, Cesária Évora o Mariza.

Gilberto Gil empezó el concierto con la única compañía de su guitarra, creando paz con un registro vocal sosegado que iría abandonando progresivamente, ya que en los tramos finales de la gala administró graves y agudos situándose al borde del histrionismo, aunque sin caer en él, siendo esta precisamente la gracia del asunto. Chiclete com banana, Andar com fé o Expresso 2222 figuran entre lo más celebrado por un público al que obsequió con un largo repertorio de 23 piezas, un par de ellas nuevas.

La del martes fue una noche rica en sensaciones, en la que esta figura fundamental de la MPB no cesó de crear asombros con su inspirado proceder. Ceremonial unas veces, humorístico otras, guiñó un ojo al blues (y el otro a la música pop), y muy a menudo emprendió un interesante vuelo vanguardista (memorable Estrella). A diferencia de tantas figuras consagradas, Gilberto Gil no ha caído en el pozo de lo acomodaticio, y podemos sentirnos afortunados por ello.

Publicado en La Vanguardia (31 / III / 2011)
Imagen: www.facebook.com/pages/Gilberto-Gil/104152332963030

Distintiva elegancia

2011-03-30T08:00:00.010+02:00

James Hunter
La Mirona (Salt) (26 / III / 2011)

El Black Music Festival trajo a Salt al inglés James Hunter, cantante de rhythm and blues y soul encuadrado en el movimiento revivalista que, desde hace un tiempo, marca una significativa parte de esta escena musical. El músico de 48 años cuenta entre sus aliados con el mismísimo Van Morrison, que le dio trabajo en los noventa, y que ha pronunciado inusuales elogios sobre Hunter. El también llamado tigre de Belfast no es la única deidad que ha apoyado a nuestro protagonista, pues el pianista de Nueva Orleans Allen Toussaint desfila por los créditos del disco del 2008 The hard way, la última referencia fonográfica de Hunter hasta hoy.

A su paso por La Mirona, Hunter incidió en el contenido de su último disco, así como en el anterior People gonna talk (nominado al Grammy en el 2006), ofreciendo un programa que pasaba por canciones como No smoke without fire, Jacqueline o la lograda Don´t do me no favours. También anunció algún tema nuevo, lo que invita a sospechar que no tardará en alumbrar un próximo álbum.

James Hunter es autor de canciones excelentes, tremendamente clásicas pese a ser de escritura contemporánea, y que sirvió muy bien repuntadas por un quinteto acompañante en el que destacaron los buenos oficios del órgano y los metales. Estamos ante un vocalista de sugerentes oficio y expresividad, aunque nunca resulta vehemente, ya que a lo largo de la noche hizo gala de cierto punto de contención que, de algún modo, redundaba en la distinción de su propuesta.

Publicado en La Vanguardia (29 / III / 2011)
Foto: casadelamusica.cat

Sereno

2011-03-23T08:00:00.008+01:00

Mark Olson
Apolo 2 (20 / III / 2011)

Cita dominical con Mark Olson, cantautor y guitarrista que congregó en el Paral·lel a un número de espectadores demasiado modesto, teniendo en cuenta su trayectoria y actualidad. Olson, de 49 años, es propietario de una interesantísima carrera que empezó a mediados de los ochenta, cuando fundó con Gary Louris los recordados The Jayhawks, escuadra en la que militó durante una década, para formar posteriormente los Original Harmony Ridge Creekdippers junto a su esposa de entonces, la también cantautora Victoria Williams. En el 2007, dio inicio a una trayectoria en solitario que a esta hora consta de dos álbumes.

Mark Olson regresaba a Barcelona para presentar el último de ellos, Many colored kite, secundado por la percusionista noruega Ingunn Ringvold, que también le acompañó en las voces y manejando el armonio. Junto a canciones del nuevo disco como No time to live without her o Little bird of freedom, exploró etapas anteriores, resucitando temas de los Jayhawks como Pray for me o Over my soulder, cosa que lógicamente el público le agradeció con particular entusiasmo.

Parece que Olson vive una etapa personal manifiestamente feliz, lo que queda reflejado en su proceder artístico, ya que nos las hubimos ante un trovador tan consistente como sereno: un estado de ánimo benditamente contagioso, con el que logró sembrar grandes complicidades y una bella conexión con la audiencia. La incursión del armonio en el guión fue puntual, pero propició algunos de los momentos más remarcables. Sirva de ejemplo Morning dove, así como la elocuente interpretación de Linda Lee, tema en el que Mark Olson jugó un tanto con registros vocales de recuerdo oriental, lo que sin duda fortaleció las virtudes de su propuesta.

Publicado en La Vanguardia (22 / III / 2011)
Foto: myspace.com/markolsonmusic

Maravillosos villanos

2011-03-22T08:00:00.017+01:00

Refree & Maria Rodés
Centre Artesà Tradicionàrius (18 / III / 2011)

El delito y los delincuentes han sido una gran fuente de inspiración para la música popular. Que se lo pregunten a los amantes de Johnny Cash, o a los de los narcocorridos mexicanos, por citar dos ejemplos. El bandidaje, el asesinato y la cárcel, son también materia recurrente en el acervo tradicional catalán, perpetuando la leyenda de maravillosos villanos como Serrallonga.

Raül Fernández 'Refree' ahonda en este temario musical con el espectáculo Cançons de bandolers i molt mala gent, estrenado el pasado verano en el Fimpt de Vilanova i la Geltrú. Refree se ha aliado con la cantante Maria Rodés para afrontar una selección de temas que, la noche de autos, abarcó desde La presó del rei de França hasta la inmortal Cançó del lladre, pasando por L´hostal de la Peira o La mort del pare Jordi. Un espectáculo breve y repleto de sustancia, que será grabado en disco.

La revisión que propone Refree combina el respeto a la tradición con una voluntad rompedora que, a la postre, engrandece las canciones, gracias un complejo discurso musical que apela al vuelo vanguardista, aunque también a lo telúrico. La espléndida Maria Rodés aporta un significativo valor a la propuesta, al plantear un bonito contraste entre las turbias historias que se cuentan y el timbre cándido e infantil de su voz.

Publicado en La Vanguardia (21 / III / 2011)
Foto: www.tradicionarius.com

Devocional

2011-03-20T08:00:00.002+01:00

Lizz Wright
Palau de la Música Catalana (16 / III / 2011)

El Festival del Mil·lenni acogió la actuación de Lizz Wright, cantante que desde su debut discográfico en el 2003 se ha ido moviendo en un sugestivo terreno musical, en el que podemos hallar retales de jazz, blues-folk, soul y demás gemas negras. Junto a una competente y multirracial banda de cuatro elementos, la estadounidense compareció en un Palau de la Música que registraba una buena entrada, precedida por la joven cantautora valenciana Clara Andrés, que acaba de publicar su segundo disco, Huit.

Lizz Wright presentaba las canciones de su último álbum, Fellowship, un trabajo de espíritu devocional aparecido a finales del 2010 del que extrajo canciones como (I´ve got to use my) Imagination (de Gladys Knight & The Pips), In from the storm (Jimi Hendrix) o Presence of the lord (Eric Clapton). La tanda de bises vino marcada por un medley de piezas de la tradición gospel, parte remarcable de la biografía de esta intérprete, hija de un pastor de almas de Georgia. Novedades aparte, ofreció una selección de sus discos anteriores, donde no faltaron temas de autoría propia como Salt o When I fall.

Alta, descalza, y dotada de una voz distintiva, la señora Wright desplegó un concierto más caracterizado por los matices que por lo sanguíneo, coordenadas que también siguieron sus sutiles músicos. Una actuación que conducía al espectador a esa paz introspectiva a la que, de modo similar, nos llevan otros artistas como Terry Callier, cuya estela se hizo patente en el tramo más acústico de su comparecencia.

Publicado en La Vanguardia (19 / III / 2011)
Foto: festival-millenni.com

Vibración revivalista

2011-03-18T08:00:00.005+01:00

White Lies
Apolo (15 / III / 2011)

Nuestra cada vez más diversa escena musical cuenta entre sus aristas más curiosas una cierta tendencia revivalista, que convoca principalmente a espectadores jóvenes y entregados, a los que naturalmente se suman algunos nostálgicos. Si el revival soul ya forma parte del menú actual, puede que estemos asistiendo también a un renacimiento de la estética ochentera, sello que define el trabajo de bandas como White Lies. El grupo británico debutó en Barcelona ante una notable cantidad de público -entre el que no era raro oír hablar en inglés-, como colofón a una larga sesión en la que también actuaron Transfer y Crocodiles.

White Lies venían a presentar su segundo disco, Ritual, del que ofrecieron piezas como Holy ghost o la envolvente Strangers, entre otras. Con todo, el primer álbum de la banda jugó un importante papel en el planteamiento de la gala, propiciando vívidos momentos de comunión entre el escenario y la pista mediante temas como To lose my life, Death o Farewell to the fairground.

Reforzado el trío original con otros dos elementos, White Lies desplegaron una propuesta frecuentemente asociada a bandas como Joy Division o Echo & The Bunnymen. Con el constante beneplácito del respetable, construyeron una noche de interés relativo en cuanto a discurso musical, aunque mostraron una gran competencia en la interpretación, marcada por la elegancia y el misterio de su puesta en escena, así como el interesante dramatismo que rezuma la voz del cantante, Harry McVeigh.

Publicado en La Vanguardia (17 / III / 2011)

Más que un fenómeno

2011-03-16T08:00:00.008+01:00

La aparición del primer disco de Manel, Els millors professors europeus (2008), desató un verdadero terremoto en nuestro mundillo musical, recabando rápidamente el favor del público, así como el elogio y la complicidad de la crítica. No se veía una cosa parecida desde 1989, cuando Albert Pla publicó su disco de debut. Inventos como las redes sociales, impulsaron aún más el ascenso de la propuesta. Folk-pop amable e inteligente, al servicio de unas canciones que incidían en lo cotidiano: espléndidas historias en las que el grupo mostraba un gran fuste narrativo, como observaba Magí Camps semanas atrás en este diario.

El segundo trabajo del cuarteto barcelonés, 10 milles per veure una bona armadura, llega al mercado precedido por el avance de dos canciones, Boomerang y Aniversari, amén del videoclip de esta última. Tiempo habrá para digerir y valorar con mayor juicio el nuevo álbum, pero una primera lectura invita a brindar de nuevo en su honor. El relato mantiene sus marcas distintivas, esa proximidad que enamora a todos, mientras que en el capítulo estrictamente musical se observa una evolución sin ruptura, con una mayor ambición en los arreglos. Definitivamente, más que un fenómeno, Manel es un grupo sólido que aún no ha dicho su última palabra.

Publicado en La Vanguardia (15 / III / 2011)

El recto camino

2011-03-09T08:00:00.012+01:00

Mishima
Palau de la Música Catalana (6 / III / 2011)

Lo decía en privado hace unos años cierto cantautor: "Presentarse en el Palau de la Música es lo más grande. Puedes hacer conciertos en sitios con más gente, pero en el fondo no es pot anar més amunt". En gran parte, es verdad. Al Palau le damos un valor simbólico que supera en mucho el aforo de la sala, de manera que actuar en él es, para los artistas catalanes, una suerte de consagración.

Un estado de gracia al que se puede llegar mediante diversas estrategias: usando técnicas de marketing, con el objetivo de enhebrar un hype mediático si la suerte y las alianzas lo permiten; o siguiendo el recto camino que marcan el trabajo paciente y la autoexigencia. El resultado final es el mismo, pero el resto de derivadas de la cuestión son muy distintas.

Doble alabanza, pues, para los chicos de Mishima, que actuaron en el auditorio modernista con todo el pescado vendido, recibiendo el justo reconocimiento a una trayectoria de más de diez años. Un tiempo en el que la banda no ha dejado de pulirse en términos artísticos, culminando en la grabación de su último disco hasta la fecha, Ordre i aventura, cuya presentación en la sala Apolo, hace nueve meses, ya fue inolvidable.

Sin caer en el extendido vicio del cofoisme, debemos insistir en que la escena pop catalana atraviesa un momento especialmente dulce. Y aunque aún nos falte la debida perspectiva, parece bastante claro que Mishima será de escucha obligatoria para quienes, en el futuro, deseen conocer lo mejor de este periodo.

Mishima es un grupo de canciones con fondo y mordiente, aunque breves como pinceladas casi siempre. De este modo, necesitaron menos de dos horas para encadenar un repertorio de treinta etapas en el que se incluía un tema todavía inédito: El que ens indica el cor.

Fue un concierto con épica el ofrecido el domingo (L´olor de la nit, Miquel a l´accés 14),y también dinámico, gracias al set acústico (con chelo incluido) y la presencia de invitados como el sin par Espaldamaceta (muy buena su versión de Dolor), así como Laetitia Sadier (Stereolab), que hizo dúo con David Carabén en una relectura bilingüe del tema de Georges Brassens / Louis Aragon Il n´y a pas d´amour heureux. No cabe duda de que es bonito que Mishima se acuerde de Brassens en el trigésimo aniversario de su fallecimiento, y un claro síntoma de la importancia que concede el grupo barcelonés al frente lírico, capítulo en el que se esmera particularmente.

Publicado en La Vanguardia (8 / III / 2011)

Impecable

2011-03-06T08:00:00.007+01:00

Luz Casal
Gran Teatre del Liceu (3 / III / 2011)

Luz Casal ha retomado la gira de que tuvo que suspender en mayo del año pasado, para librar una segunda batalla contra el cáncer, de la que ha salido victoriosa. Flotaba en el ambiente, pues, una emotividad añadida, que se desató antes del inicio estricto del concierto. En el centro del escenario, todavía sin músicos a la vista, la cantante recibía una rotunda ovación de gala por parte de las más de dos mil personas que ocupaban todo el aforo del Gran Teatre del Liceu.

Pero la historia de infortunio y superación que ha vivido Luz Casal no es lo más relevante en esta hora. La cuestión capital es que construyó un concierto impecable en cuanto a interpretación, y de una gran inteligencia en su planteamiento. Empezó defendiendo su último álbum, La pasión, que aunque seguramente no sea el mejor de cuantos ha publicado, tampoco es desdeñable: su lectura del bolero Con mil desengaños, arropada por una brillante banda de trece elementos, se caracterizó por una elegancia, una transmisión, e incluso una trascendencia, excepcionales.

Y eso que sólo estábamos en los primeros lances de un largo repertorio formado por 25 temas, en el que Luz Casal fue cambiando progresivamente de vestido y de pulso musical, pasando también por la balada pop (mención inevitable para Es por ti / Boig per tu) y, a renglón seguido, por las aristas rockeras que caracterizaron sus primeros pasos en esta industria. Un par o tres de acoples inoportunos (y no sé si muy admisibles a estas alturas y con estos presupuestos), deslucieron un tanto la emblemática Rufino, aunque el desquite no tardo en llegar vía Loca.

En los bises, la guinda se situó perfectamente en su sitio, no sólo por la tan espléndida como previsible Piensa en mí, sino también por Negra sombra (interpretada en gallego) y el Gracias a la vida de Violeta Parra, que tomó una especial significación teniendo en cuenta las circunstancias personales por las que ha atravesado últimamente Luz Casal.

Publicado en La Vanguardia (5 / III / 2011)
Foto: myspace.com/luzcasal

Noche afilada

2011-02-27T08:00:00.007+01:00

Big Sexy Noise
Apolo 2 (23 / II / 2011)

Big Sexy Noise es el sugerente nombre artístico que han adoptado Lydia Lunch (coprotagonista de la no wave neoyorquina de mediados de los setenta) y el grupo británico Gallon Drunk, ahora unidos en una afilada aventura artística que recaló en Barcelona el miércoles. El cuarteto actuó en el contexto del ciclo Los Caprichos del Apolo, culminando un ambicioso programa que había descorchado a última hora de la tarde el icónico poeta contracultural John Sinclair, a quien siguió en escena el grupo japonés Bo Ningen.

A sus espléndidos 51 años, Lydia Lunch se mostró más guerrera que nunca, en perfecta sintonía con una banda que tuvo la virtud de sonar benditamente sucia y obsesiva, como exige un embolado de estas características, reflejado por el momento en un único álbum editado por el sello Sartorial. Es cierto que la actuación duró más bien poco (unos 50 minutos), pero al fin y al cabo esto no supuso ningún problema, considerando la gran velocidad de crucero de una propuesta al borde de la violencia intelectual, en la que destacaron temas como Your love don´t pay my rent, Another man comin' (while the bed is still warm) y, como único bis, una versión del tema de Lou Reed Kill your sons.

Publicado en La Vanguardia (26 / II / 2011)
Foto de Marc Viaplana en lydia-lunch.org

Referente musical y lingüístico

2011-02-19T01:56:00.003+01:00

Foto: myspace.com/jordibarre2

El cantante rosellonés Jordi Barre falleció el pasado miércoles en su domicilio de Pontellà, a los noventa años, según informó la emisora de radio France Bleu Roussillon.

La noticia causó gran dolor en los ambientes culturales de Catalunya Nord, donde el malogrado artista era un referente musical y lingüístico reconocido y querido por varias generaciones.

El alcalde de Perpinyà, Jean-Marc Pujol, dispuso ayer por la mañana que la bandera del emblemático Castellet de la ciudad ondeara a media asta en su memoria. Quienes quieran rendirle homenaje, podrán hacerlo hoy viernes en la capilla ardiente, mientras que el funeral del ilustre músico será el próximo sábado en la catedral de Perpinyà.

Jordi Barre fue el introductor de la Nova Cançó en Catalunya Nord (pese a lo cual no fue invitado a participar en las conmemoraciones del 50. º aniversario de este movimiento), y entre otras distinciones, se hallaba en posesión de la Creu de Sant Jordi.

Nacido en Argelers en 1920, Barre empezó tocando el violín, cantó en orquestas de baile y actuó como bailarín junto a su hermana, un poco a la manera de Fred Astaire y Ginger Rogers, según señaló el propio artista en una entrevista televisiva realizada por Josep Maria Espinàs en 1992. Hacia 1963, quien hasta entonces era conocido como Georges Barre cambió su nombre por Jordi y grabó su primer disco para el sello barcelonés Edigsa (Canta Perpinyà). Su trayectoria posterior comprende una veintena larga de registros e incontables actuaciones en los territorios de habla catalana, así como en el parisino Olympia, en Inglaterra o en Japón.

Temas como Parlem català, Tant com me quedarà, Torna a venir Vicens o Els hi fotrem (himno oficioso de la USAP de Perpinyà) figuran entre lo más popular de un intérprete de gran elegancia cuya labor artística abarcó también el teatro musical, la música tradicional, la canción infantil, la dirección coral o la creación sinfónica. Una obra de largo recorrido estilístico y temporal, en la que toma una particular importancia la labor de Jordi Barre como divulgador de la palabra de autores norcatalanes como Jordi-Pere Cerdà, Joan Cayrol o Joan Tocabens, entre otros.

Activo hasta el final, Jordi Barre contó también con el aprecio de las generaciones más jóvenes. En abril de 2010, coincidiendo con su noventa aniversario, se le rindió un homenaje musical en un abarrotado palacio de congresos de Perpinyà, al que se sumaron artistas de todas las edades, entre ellos el popular cantautor rock Cali, conocido y admirado en toda Francia. Otro de los participantes en el mencionado homenaje, Gerard Jacquet, valoraba ayer para La Vanguardia la figura del músico desaparecido, definiendo a Barre como "un símbolo y un modelo para todos los que hemos venido detrás: Jordi ha ejercido una influencia capital, y siempre lo ha hecho con una humildad y una generosidad absolutas".

Publicado en La Vanguardia (18 / II / 2011)

Diálogos

2011-02-16T01:30:00.011+01:00

Foto: jordisabates.com

Jordi Sabatés recrea Segundo de Chomón
Teatro Zorrilla de Badalona (12 / II / 2010)

El pianista y compositor Jordi Sabatés (Barcelona, 1948) es un músico de trayectoria ecléctica, como nos confirma un currículum en el que hay lugar para colaboraciones con gentes de la cançó como Toti Soler, Maria del Mar Bonet o el malogrado Ovidi Montllor, trabajos jazzísticos junto a Chick Corea y Tete Montoliu (con el que firmó un insólito disco eléctrico), así como ópera y otras obras relevantes para el teatro y el cine. Desde la década de 1990, la historia de amor entre Sabatés y el séptimo arte ha dado, entre otros frutos, espectáculos de cine y música en directo consagrados a Nosferatu, Georges Méliès, o Buster Keaton.

El pasado fin de semana, el pianista ocupó durante dos días consecutivos el cartel del teatro Zorrilla, para rendir homenaje al universo del aragonés Segundo de Chomón (1871-1929), pionero de los efectos especiales y el cine de animación. Si en ocasiones anteriores el homenaje de Sabatés a Chomón incluía como tercer elemento de la propuesta la participación de un ilusionista, esta vez la jugada tuvo un carácter más íntimo, circunscribiéndose a los diálogos entre el piano y la pantalla.

Durante una hora larga, Jordi Sabatés ilustró una selección de catorce películas de Segundo de Chomón. Píldoras que nos relatan las tremendas aventuras de la banda que protagoniza Symphonie bizarre, o nos alucinan con los objetos vivos que se hallan en las habitaciones de un delirante Electric Hotel.

Pese al tiempo transcurrido, y la posterior evolución de la técnica, las creaciones de Chomón aún nos asombran y nos divierten, bien reforzadas por una eficaz partitura que realza la comicidad, pero también la ternura, de las situaciones retratadas.

Publicado en La Vanguardia (15 / II / 2011)

Cortesía

2011-02-14T01:13:00.005+01:00

Foto: festival-millenni.com

Sylvie Vartan
Palau de la Música Catalana (10 / II / 2010)

Ovación más que cortés, pero no exactamente apasionada, para Sylvie Vartan en el Festival del Mil·lenni. La cantante francesa de origen búlgaro ofreció el jueves por la noche un largo concierto que, dividido en dos partes, abarcó toda clase de géneros, del pop a la chanson, pasando por el tango, el jazz o el country-rock. Un planteamiento del que nuestra intérprete salió airosa la mayoría de veces, aunque en ningún caso podríamos calificar su actuación de brillante.

Sylvie Vartan, de 66 años, dispensó alguna atención a su último disco del 2010, Soleil bleu, del que ofreció temas como Sous ordonnance des étoiles (en dúo virtual con Arthur H.) o Pas si facile à oublier. Repasó lo más evidente y deseado de su trayectoria (La plus belle pour aller danser, La maritza...), y entre otras hierbas completó el programa con recuerdos de sus días en Nashville (Since you don´t care) o una versión (facturada junto a su corista) de aquel Ebony and ivory que Paul McCartney y Stevie Wonder grabaran en el año 1982.

Con toda su dignidad a cuestas, la gala se vio lastrada por una actitud escénica algo gélida por parte de Sylvie Vartan, que empezó dirigiéndose al público en inglés, hasta que parte de los asistentes le rogó que lo hiciera en francés. El guión de sonrisas y alocuciones que ha preparado para su actual gira no resultó muy convincente, hasta el punto de que dio la impresión de que la artista parecía más preocupada por ir sumando los minutos que señalaba el contrato, que por establecer una verdadera complicidad con el personal. Quizá por ello, en materia estrictamente musical al trabajo de la Vartan tampoco le sobró garra, cosa que se hizo muy evidente en la falta de dramatismo que marcó canciones como Mon enfance, en homenaje a la gran Barbara.

Publicado en La Vanguardia (13 / II / 2011)

A tiempo de crecer

2011-02-13T00:52:00.017+01:00

Foto: bandofhorses.com

Band of Horses
Apolo (9 / II / 2011)

El concierto del conjunto de rock Band of Horses había generado una gran expectación, con todos los boletos vendidos desde hacía días. La banda estadounidense vive un momento particularmente dulce, ya que su tercer disco, Infinite arms, ha conseguido situarse en la carrera por el Grammy 2011 en la categoría de rock alternativo. Pese a la nominación, los músicos relegaron las canciones de Infinite arms a los dos primeros tercios del bolo. Es cierto que temas del nuevo disco como Laredo calaron lo suyo entre la audiencia, pero en el tramo final de la gala (que es donde suelen encadenarse los momentos más épicos de todo concierto), mandaron los números más veteranos, como Ode to LRC o Wicked Gil, entre otros.

Band of Horses -que en directo suenan más ásperos que en la versión enlatada-, es una banda que seguir, ya que tienen bastante osadía instrumental y se traen entre manos buenas canciones-río, que pueden pasar en un instante de lo apacible a la descarga eléctrica, en las que nos pueden asaltar referencias tan honorables como los Crazy Horse de Neil Young o el trino vocal de Wayne Coyne.

Aún así, por el momento nada resulta verdaderamente abracadabrante en la propuesta de un grupo que está a tiempo de crecer, y cuyo éxito se puede explicar no exclusivamente, pero sí en gran parte, por su presencia en bandas sonoras de series televisivas y películas de vampiros.

Publicado en La Vanguardia (12 / II / 2011)

Regreso triunfal

2011-02-11T00:40:00.004+01:00

Foto: festival-millenni.com

José Feliciano
Palau de la Música Catalana (8 / II / 2011)

Triunfal regreso de José Feliciano a Barcelona. El cantante portorriqueño exhibió en el Palau de la Música, como es habitual en él, un peculiar sentido del humor: anécdotas (reales o no) y chistes a costa de su condición de invidente, pero también referidos a colegas del oficio como Julio Iglesias o Ricky Martin.

Feliciano se presentó junto a un quinteto competente, facturando un concierto tan transversal como su propia carrera. Nuestro artista, de 65 años, fue pionero del crossover, tendiendo puentes entre el pop y la música latina, y asombrando a audiencias de ambos mundos. Así, anteanoche nos la hubimos con un heterogéneo catálogo que, dejando de lado las composiciones de Feliciano, abarcó de Tito Puente a Jimi Hendrix.

Manejando la guitarra de un modo que a veces pudiera parecer tosco, pero siempre endiabladamente brillante (y con la libertad del jazz), Feliciano mantuvo todo el tiempo un alto y expresivo nivel vocal, destacando en temas como Rain, Samba pa ti y una emocionante versión de la dylaniana Knockin´on heaven´s door, con la que hizo honor al título de la pieza.

Publicado en La Vanguardia (10 / II / 2011)

Lucha lírica

2011-01-30T21:44:00.017+01:00

Foto: myspace.com/paualabajos

Pau Alabajos
Auditori 3 (27 / I / 2011)

La decimosexta edición de Barnasants empezó su andadura con el valenciano Pau Alabajos, miembro de esa generación de jóvenes cantautores que se encuadra en la canción protesta, lo que comporta toda suerte de vicios y virtudes, ya que a veces el compromiso se traduce en redundancia. Sea como fuere, en días de contención ideológica como los presentes, resulta gratificante hallar voces que, haciendo de la sinceridad su principal virtud, se expresan sin miedo al "qué dirán", el "cómo me verán", o el "no me contratarán".

Alabajos presentaba su tercer disco, Una amable, una trista, una petita pàtria, donde ha dado muestras de gran ambición artística, al grabar algunas canciones con una orquesta sinfónica. Junto a piezas de su nuevo álbum (Zàpping, 1948 y otras), Alabajos rescató un buen puñado de temas anteriores (Contra el ciment, Cançó explícita y demás), completando el menú con versiones de Ovidi Montllor, Raimon, y la mismísima Muixeranga.

Un concierto largo y de trote algo irregular, trenzado junto a otros siete músicos (cuarteto de cuerda incluido), en el que más allá del gran peso ideológico que marca su obra, se hicieron evidentes su gran destreza lírica y exquisita sensibilidad musical.

Publicado en La Vanguardia (29 / I / 2011)

Nada es evidente

2011-01-23T21:20:00.006+01:00

Foto: festival-millenni.com

Joanna Newsom
Palau de la Música Catalana (20 / I / 2011)

Aunque no se alcanzó el sold-out, el Palau de la Música registraba una magnífica entrada el jueves por la noche. Público joven e ilustrado, y una buena representación del artisteo independiente local (Maria Rodés, El Petit de Cal Eril, Pau Vallvé, Joan Colomo...), rindiendo pleitesía a Joanna Newsom, cantautora californiana que, con sólo tres álbumes en su haber, se ha situado como una de las voces más interesantes de nuestra época, gracias a una inspirada propuesta musical en la que nada es evidente.

Joanna Newsom compareció junto a un heterogéneo quinteto, iniciando la gala con Bridges and balloons, y no tardó en dar una apreciable muestra de buen humor cuando se disculpó ante el público por ser "la única persona de mi estado que no habla español". Centró su repertorio en las canciones del disco del 2010 Have one on me, un volumen triple (!) que ha sido aclamado entre los mejores del año, mediante temas como Easy (donde tomó el piano por primera vez), Autumn o Good intentions paving company, canción servida justo antes de los bises.

Prestó bastante atención a su primer álbum (del que extrajo entre otras la espléndida Inflammatory writ), pasando de puntillas por la siguiente producción cocinada en el 2006 junto a Van Dyke Parks, Ys, de donde procedía una de las piezas más redondas de cuantas escuchamos el jueves: Emily.

Esta joven artista de 29 años deslumbra a la audiencia en variados frentes: maneja un instrumento tan poco habitual en el planeta pop como el arpa; conmueve con un registro vocal muchas veces aniñado; hace canciones tan largas como le piden las musas, y nos pasea por un terreno musical muy particular, de difícil (y probablemente innecesaria) clasificación. A Newsom suelen encuadrarla en el ámbito del folk, lo que siendo cierto en gran parte, es insuficiente para hacerse una idea exacta de su trabajo: una propuesta compleja y cerebral que explora con tino multitud de palos, como la música de cámara, las funciones de Broadway o el vuelo experimental.

Publicado en La Vanguardia (22 / I / 2011)

Comelade revisitado

2011-01-19T20:47:00.003+01:00

Foto: myspace.com/comelade

Pascal Comelade & Cobla Sant Jordi
L’Auditori 2 (16 / I / 2011)

El día (domingo) era perezoso, y la hora (seis de la tarde) criminal, pero valía la pena acudir a L’Auditori, donde Pascal Comelade se presentaba junto a la Cobla Sant Jordi - Ciutat de Barcelona, ofreciendo una retrospectiva de sus últimos veinte años. La gala arrancó con una intro de flabiol algo magrebizada, precediendo a la Freak serenade que Comelade interpretó junto a Pep Pascual (viento y juguetes) e Ivan Martínez (guitarras y acordeón). Los elementos de la cobla se sumaron al segundo tema de la noche, L’argot del soroll, haciendo un uso poco ortodoxo de sus instrumentos, y ensamblándose con acierto en el particular mundo del músico norcatalán.

Tras su reciente espectáculo con Albert Pla, y el aún más reciente disco que acaba de grabar junto al poeta Enric Casasses, Comelade nos ha dado la tercera alegría de la temporada. Esta última iniciativa ha resultado ser una muy buena jugada, en la que todos han salido beneficiados. El propio Pascal, al poder revisitar su música con distintos envoltorios, sin que por ello se pierda la emoción. Y también los señores de la cobla, un tipo de agrupación musical que tiene recorrido e interés más allá de su hábitat primordial.

El mejor ejemplo sea, tal vez, Sense el ressò del dring, donde las tenoras, los tibles y el resto del armamento nos situaron en algún lugar a caballo entre lo telúrico y el pop más elegante.

El programa estuvo formado por quince piezas, siendo destacable también la interpretación de The skatalan logicofobism, así como la muy oportuna Sardana dels desemparats, un tema de Pascal Comelade que muy raramente puede degustarse en directo. La cosa acabó con bises y hurras, aunque en la platea (repleta de público) también se vieron algunas caras de desconcierto entre los espectadores de más edad y mayor apego a las ortodoxias.

Publicado en La Vanguardia (18 / I / 2011)

El regalo

2011-01-17T20:27:00.003+01:00

Foto: myspace.com/lapido

José Ignacio Lapido
Sidecar (14 / I / 2011)

José Ignacio Lapido regresa con De sombras y sueños, quinto álbum en solitario tras la disolución de 091. Lo ha editado en su propio sello, Pentatonia, en una operación que según él tiene algo de suicida. Hermoso suicidio, cabe añadir, ya que al margen del eco comercial que tenga, De sombras y sueños es una de las producciones más sólidas de cuantas nos ha deparado el rock ibérico en la última temporada.

Lapido y su banda comparecieron en un poblado Sidecar, local que pese a sus incomodidades resulta ideal para la distancia corta, protagonizando dos horas y cuarto de concierto. Hubo tiempo para casi todo, incluidas repescas del repertorio de su antiguo grupo tan apreciadas por el público como La canción del espantapájaros.

El nuevo material de Lapido insiste en las marcas distintivas que siempre han caracterizado su arte, en especial su esmero en el capítulo lírico. Las canciones de este disco, donde priman los tiempos reposados, exploran las tristezas y las esperanzas caducadas. La noche de autos destacaron temas como Algo falla o Antes de morir de pena, facturados con la solvencia de quien, simplemente, no puede evitar ir regalando su inspiración.

Publicado en La Vanguardia (16 / I / 2011)

Punto de vista

2011-01-11T16:55:00.001+01:00

Foto: chicagoreader.com

Kings Go Forth
Apolo 2 (8 / I / 2011)

El revival soul que agita el panorama de la música moderna de ya largo tiempo para acá no tiene visos de ser una moda pasajera, pues la cartelera musical barcelonesa no para de sumar nuevos nombres a una lista de figuras adscritas a este movimiento que desembarcan en la ciudad, casi siempre a orillas del Paral·lel. El último ejemplo es una poblada banda procedente de Milwaukee, Kings Go Forth, fundada en el 2007, y que toma su nombre del filme homónimo protagonizado en 1958 por Frank Sinatra y Tony Curtis.

El combo actuó el sábado noche ante unos 250 connaisseurs en Apolo. Los nueve integrantes del grupo se apretujaron en el escenario, facturando un concierto intenso aunque breve, lo que en realidad es normal, ya que hasta el momento sólo tienen un álbum publicado, The outsiders are back, editado por el sello de David Byrne, Luaka Bop. Entre lo mejor de su repertorio, destacaron piezas como One day, I don’t love you no more o bien High on your love.

Está por ver qué camino se abren estos músicos (blanquitos de cara con un sola excepción), que se presentan con gran artillería, dando mucho énfasis a la percusión y sacando buen partido de la sección de metales. Una formación que aporta un punto de vista algo más amplio, y menos retro, del que ofrecen la mayoría de sus competidores. Devotos del northern soul y el deep funk, gustan de sorprender a la audiencia con cadencias y vaivenes que de modo ocasional pueden remitirnos al reggae o aciertas pulsiones latinas, entre otras fugas.

Publicado en La Vanguardia (10 / I / 2011)

Triptico

2010-12-22T00:59:00.003+01:00

Foto: myspace.com/maikamakovski

Maika Makovski & Havalina
Apolo (18 / XII / 2010)

Será cosa del balompié, o de la crisis económica, o del frío... pero lo cierto es que uno esperaba encontrarse com más gente en el concierto del sábado por la noche en la sala Apolo, teniendo en cuenta el interés del cartel, que reunía a la cantautora rock mallorquina Maika Makovski y al grupo madrileño Havalina.

La sinuosa Makovski es una artista al alza, que ha dado un gran paso al frente con su tercer disco homónimo, producido por John Parish (PJ Harvey, Eels). Tras su reciente paso por el BAM, volvía a actuar en la ciudad integrada en un espectáculo que superaba el clásico esquema telonero-artista principal. Una propuesta articulada en tres actos, que sólo se habrá podido ver en Madrid y en Barcelona, donde los respectivos protagonistas tocaron por separado y entrerrevueltos, armando una sesión fluida y espléndida.

Abrieron fuego los chicos de Havalina, presentando su nuevo disco, Las hojas secas, formado por canciones como Mamut y Ley de la gravedad, tema en el que Maika Makovski se integró en la banda, como también hicieron después los músicos que la acompañan, para hilvanar todos juntos un nuevo tramo. La parte final del tríptico, que fue la más sustanciosa, se la trabajaron Makovski y su gente, con muestras del último álbum como The bastard and the tramp o la irresistible Lava love. En las postrimerías, nueva reunión para homenajear a Depeche Mode versionando I feel you.

Publicado en La Vanguardia (21 / XII / 2010)

Soberbia sesión

2010-12-17T00:41:00.003+01:00

Foto: myspace.com/cariboumanitoba

Caribou
Razzmatazz 2 (12 / XII / 2010)

Tras su paso por la última edición del Sónar en junio, Caribou regresó a Barcelona, actuando en las celebraciones del décimo aniversario de Razzmatazz. Caribou es el actual nombre artístico de Dan Snaith, matemático canadiense de 32 años, quien desgranó en el Poblenou una soberbia sesión. A nuestro instrumentista y cantante le acompañaban Ryan Smith (guitarra y teclados), Brad Weber (batería) y John Schmersal (voz y bajo).

El programa de la noche se basó en el contenido de su disco Swim, una de las producciones más aclamadas de este año, aunque también miró hacia el no menos saludable Andorra, álbum publicado en el 2007. Entre otros, se llevaron la palma temas del nuevo disco como Odessa y Sun, junto a la más antigua Melody day.

La compacta banda nos alegró la vida con una propuesta contagiosa, electrónica de gusto orgánico con remarcables destellos psicodélicos. Aunque al registro vocal de Dan Snaith le falta algo de presencia y octanaje, el resto de frentes fueron atendidosa pedir de boca, con frecuentes detalles de calidad, desde las percusiones dobladas que marcaron algunos episodios, a la contrastada construcción de las piezas.

Publicado en La Vanguardia (16 / XII / 2010)

Reír y llorar

2010-12-14T00:13:00.004+01:00

Foto: Pablo Zamora

Espaldamaceta
Tradicionàrius (11 / XII / 2010)

El tarraconense Juan José González, Espaldamaceta para el arte, presentó en Barcelona el díptico Miedo al silencio, trabando una gala que le acredita como una de las voces más interesantes de la nueva cantautoría de aquí. Empezó con la única compañía de su guitarra de nylon, pero en diferentes momentos del concierto, contó con muy buenos socios, como Maria Rodés, los miembros del grupo Manel Guillem Gisbert y Arnau Vallvé (por separado), y un cuarteto de cuerda que le arropó en un buen puñado de canciones.

Aparte de un inspirado autor, Espaldamaceta tiene un directo brillante, en el que provoca entre el público una extraña mezcolanza de sensaciones. Sus diálogos con la audiencia son de una gran comicidad, rayando en el absurdo algunas veces, y mostrando madera de showman. Pero, al mismo tiempo, el contenido de sus canciones genera una tristeza muy honda, bien reforzada por una voz y una gestualidad tremendamente dramáticas.

Cabe destacar también una inteligente mirada musical, que sabe de arcanos tradicionales. Cada inflexión de voz, cada quejido de la guitarra, poseen la gravedad que en el fondo requieren las circunstancias y estados de ánimo que motivan las canciones de Espaldamaceta: el fracaso del amor, la pérdida de los seres queridos, la incomunicación entre las personas.

Unos caminos que, como dice el cantautor en uno de sus temas, son oscuros y estrechos, pero en los que también sabe encontrar recovecos de ternura.

Publicado en La Vanguardia (13 / XII / 2010)

Aute por Aute

2010-12-13T23:51:00.016+01:00

Foto: myspace.com/luiseduardoaute

Luis Eduardo Aute
Auditori (10 / XII / 2010)

Como aperitivo del festival BarnaSants, que empezará en enero, Luis Eduardo Aute viajó a Barcelona, donde cantó (y habló) durante tres horas. Venía a presentar Intemperie, que desgranó en su integridad (14 temas). Completaban el repertorio algunas piezas procedentes de su disco del 2007 A día de hoy (entre ellas la adaptación del poema del recientemente fallecido Carlos Edmundo
de Ory Cuando no cante más), y temas más antiguos.

Hace ya algún tiempo que a Luis Eduardo Aute le asiste más el oficio que la inspiración. Es indudable que en el disco hay canciones apreciables, como Un soplo de alegría o Somnis de la plaça Rovira, tema que ha escrito en catalán, cumpliendo la palabra dada a ciertos vecinos del barrio de Gràcia, donde el propio Aute pasó parte de su infancia. Pero, ¡ay!, en su nueva obra también hallamos clichés que nos remiten de modo demasiado evidente a temas anteriores (Toda una vida podría leerse como la hermana pequeña de La belleza).

Por lo demás, el autor demostró tener el habitual sentido de la oportunidad, que alumbra los versos de Atenas en llamas. La no-notícia es que Aute sigue haciendo de Aute, sin intenciones de repensarse.

Publicado en La Vanguardia (12 / XII / 2010)

Doliente y lírico

2010-12-12T23:32:00.003+01:00

Foto: salabecool.com

Ben Frost
Be Cool (8 / XII / 2010)

Ben Frost regresó a Barcelona, protagonizando una sesión que empezó con una clamorosa hora de retraso sobre el horario previsto, y a la que acudió un modesto número de espectadores. No deja de sorprender el discreto eco que mereció la visita de uno de los más afamados representantes de la electrónica experimental de nuestros días.

Australiano de origen aunque afincado en Islandia desde hace cinco años, colaborador de Björk, Frost es propietario de una discografía en la que sobresale el aclamado Theory of machines, al que siguió By the throat en el 2009.

Bien pertrechado con maquinaria y guitarra eléctrica, Frost dibujó durante algo más de sesenta minutos un inquietante paisaje, o quizá una superposición de los mismos, con apreciable carga cerebral y emocional.

Operó sirviéndose de una paleta contrastada, y en ocasiones exploró los límites del volumen, lo que bien ordenado suele arrojar bellas emociones. Su discurso musical resulta por lo general hiriente, y muchas veces doliente, aunque también se sirve con inspiración de un lirismo que engrandece la narrativa de este interesante creador.

Publicado en La Vanguardia (11 / XII / 2010)

Después del marketing

2010-12-10T21:31:00.005+01:00

Foto: myspace.com/ladygaga

Lady Gaga
Palau Sant Jordi (7 / XII / 2010)

Trece millones de discos vendidos. Mil millones de visitas en YouTube. Dieciocho mil personas en el Sant Jordi. Tantos números, y tan altos, habían generado muchas expectativas ante el debut de Lady Gaga en Barcelona, donde recaló su The monster ball tour, presunta “primera ópera pop-electro de todos los tiempos”, a decir de ella. La función se desarrolló en cuatro actos, con sus correspondientes ambientes: una producción que vale una pasta, y en la que Lady Gaga no paró de cambiarse de vestido ni de bailar, mientras presentaba su cancionero (un álbum y medio), y avanzaba dos números nuevos.

A la hora de la verdad, fue un espectáculo más flojo de lo que prometía el marketing: una función de trote desigual, lastrada por los largos interludios, que a eso de la mitad empezó a perder comba, remontando sólo al final.

Vestida de dominatrix (versión Disneylandia), luciendo hombreras imposibles o bengalas a la altura de los pezones, Lady Gaga evolucionó junto a un cuerpo de baile donde vimos chicos en gayumbos con paquetes imposibles, y zombies que parecían escapados de algún videoclip del siglo pasado.

Desfilaron una notable cantidad de recursos escenográficos, sí, pero ningún golpe de efecto resultó ser especialmente sorprendente, por no hablar del número del piano en llamas, visualmente bastante flojo.

Antes de pretender hacer óperas, por muy pop-electro que estas sean, Lady Gaga debería procurar tener canciones con la suficiente entidad. Al verse obligada a cantar todo lo que tiene, también debe incluir los rellenos de sus discos, de modo que muchos temas pasaron bastante desapercibidos, a la espera de la traca final con pelotazos como Alejandro, Pokerface, Paparazzi y Bad romance.

Siendo tan joven (24 años), sorprende que en materia musical Lady Gaga sea tan poco osada. Junto a otros ascendentes, el de Madonna es muy evidente en su trabajo,y no sólo en cuanto a canciones, sino también en el frente estético: sus alusiones a la carne y a la religión católica no dejaron de recordarnos los mejores momentos de la cantante de Detroit, con la diferencia de que en su tiempo Madonna consiguió ser verdaderamente transgresora, y de momento la señora Gaga sólo es polémica.

Publicado en La Vanguardia (9 / XII / 2010)

El incendio

2010-12-07T21:06:00.003+01:00

El pasado mes de abril se cumplieron cuarenta años de la publicación del álbum de Miles Davis Bitches brew, uno de los mejores de cuantos nos legó el trompetista y compositor de jazz. No es de extrañar que Enrico Merlin y Veniero Rizzardi hayan consagrado un ensayo a Bitches brew, libro que se publica en nuestro país unos años después de que Ashley Khan hiciera lo propio con otro de los grandes discos de Miles, Kind of blue. Y es que bitches Brew fue una obra revolucionaria, herética incluso... además de un buen negocio.

Miles Davis estaba el pleno periodo eléctrico, iniciado en 1968. Para confeccionar Bitches brew reclamó los servicios de un impresionante equipo artístico de hasta 12 músicos, como Herbie Hancock, John McLaughlin o Chick Corea. También Joe Zawinul, que firma el primer tema del disco, Pharaon's dance, y Wayne Shorter, autor del último track de Bitches brew, Sanctuary.

Miles quiso otorgar a la sección rítmica un papel central en la jugada, y también trabajó con inspiración junto al productor Teo Macero, pionero en el arte de tratar el propio estudio de grabación como un instrumento más.

Como recordaba Chick Corea hace unos días a este diario entrevistado por Esteban Linés, aquel fue un disco explosivo, que estaba destinado a abrir “caminos insospechados del jazz progresivo, del rock eléctrico y del funk”. Se había desatado el incendio.

Publicado en La Vanguardia (6 / XII / 2010)

Buhardilla ideal

2010-11-30T20:26:00.033+01:00

Foto: temporada-alta.net

Albert Pla & Pascal Comelade
Teatre Municipal de Girona (27 / XI / 2010)

¿Qué sucede entre el momento en que nos acostamos y el instante en que nos dormimos? Albert Pla y Pascal Comelade han tomado esta excusa para construir Somiatruites, el espectáculo que se estrenó anteanoche en el contexto del Festival Temporada Alta de Girona, y que podrá verse en el barcelonés Teatre Lliure entre el 9 y el 12 de diciembre.

Integrados en una así llamada Petita Orquestra Somiatruites creada para la ocasión, cuentan en esta brillante producción con un equipo artístico en el que se también se encuadran los músicos Jordi Busquets, Ivan Telefúnkez y David Sáenz de Buruaga, así como los Farrés Brothers, dando vida a DJ Crepúsculo y Les Siameses Superglue, “ninots” de tamaño humano que juegan un activo y saludable rol en la propuesta.

Somiatruites es uno de esos espectáculos que, con un pie en la música y otro en el teatro, tan bien le sientan a Albert Pla. Y si en sus últimas creaciones el de Sabadell había descuidado un tanto el frente musical, en esta ocasión las canciones han recuperado enteros.

Dan vida al montaje una veintena larga de temas, entre los que hallamos piezas de Pla tan lejanas en el tiempo como La nana de l’Antònio (1989), además de canciones de nueva escritura como Antònia Font, un divertido guiño a su colega Joan Miquel Oliver que incluye sexo aeronáutico y citas a Quimi Portet o el mismísimo Raimon. Aún así, el grueso del repertorio viene marcado por un gran número de composiciones de Pascal Comelade a las que Pla ha puesto letra con inspiración.

Entre penumbras, Albert Pla y Pascal Comelade recibieron a la audiencia en una especie de buhardilla ideal donde hubo espacio para la risa afilada, episodios jocosos en el patio de butacas, y una soberbia exploración de la tristeza servida mediante canciones como Vals de la casa buida, desolado recuerdo a los que se fueron, donde se nos describe un cuadro en el que “s’han fos les bombetes de pura tristesa"

Publicado en La Vanguardia (29 / XI / 2010)

Riesgos

2010-11-24T19:21:00.006+01:00

Foto: myspace.com/primalscream/

Primal Scream
Razzmatazz (20 / XI / 2010)

El año que viene se cumplirán veinte de Screamadelica, tercer álbum del combo escocés Primal Scream, que supuso su primer gran éxito y un punto de inflexión en la trayectoria del grupo, pero también fue importante más allá, ya que introdujo en el mundo indie colores procedentes de la escena de baile electrónica, que por aquellos días brillaba en el club The Haçienda, de Manchester. Fue allí donde el líder de Primal Scream, Bobby Gillespie, entró en contacto con los encantos del acid house, y empezó a planear un álbum destinado a ser aclamado por el público y las cátedras.

Primal Scream dedicará el año 2011 a una gira especial destinada a reivindicar su disco más brillante, con una formación en la que sólo quedan dos músicos que participaron en la grabación de Screamadelica: el ya mencionado Gillespie y el guitarrista Andrew Innes. Aún así, ya han empezado a probar el proyecto en conciertos como el que ofrecieron el sábado por la noche en Razzmatazz ante unas 1.500 personas, actuación que coincide con las celebraciones del décimo aniversario de la sala del Poblenou.

La revisión vino precedida por una primera parte donde la banda desgranó temas posteriores al emblemático año 1991. Entre ellos, Shoot speed/Kill light, del apreciado disco XTRMNTR (2000), y el edificante Suicide bomb, procedente de su último álbum de estudio hasta el momento (Beautiful future, 2008).

Tras la pausa, entraron en materia con Screamadelica. Quiérase o no, proyectos como este entrañan ciertos riesgos. En tantos discos (si no en la mayoría), existen canciones que, sin ser necesariamente malas, ni exactamente un relleno, resultan poco adecuadas para el directo.Y eso fue lo que, en parte del concierto, les pasó.

Nuestros músicos decidieron concentrar el material más reposado del disco en el tramo central, encadenando temas como Inner flight y I’m comin’ down ante la indiferencia de parte del personal, que minutos antes había vibrado al unísono con la poderosa entrada marcada por Movin’ on up y Slip inside this house. Por fortuna, las cosas retomaron pronto el buen carril, y los chicos de Primal Scream facturaron un final de aúpa mediante temas como Loaded y Come together.

Publicado en La Vanguardia (23 / XI / 2010)

Músculo

2010-11-23T19:03:00.003+01:00

Foto: .myspace.com/lagartijanick2010

Lagartija Nick
Auditori 2 (19 / XI / 2010)

En 1998, el grupo Lagartija Nick quiso rendir tributo al director de cine, poeta e inventor José Val del Omar (1904-1982), con un trabajo conceptual que les acabó costando algún disgusto. Doce años después, y coincidiendo con una retrospectiva dedicada al artista en Madrid, el disco ha sido reeditado y la banda lo ha recreado con una gira de cinco fechas.

Lagartija Nick se ha propuesto obsequiar a los oyentes con algunas estrategias proyectadas por Val del Omar, desde la diafonía (emitir sonidos por diversos puntos
cardinales) hasta el desbordamiento panorámico de las imágenes de vídeo.

Con esta artillería adicional, el grupo (liderado por Antonio Arias) protagonizó una
sesión de interés variable. Más allá de los efectos especiales, hicieron una exhibición a la que le faltó mordiente. Fue una noche de rock metalizado industrial
que cumplía con todas las exigencias en cuanto a músculo, pero exenta de la sofisticación y la originalidad que debieran caracterizar una obra de este tipo, a la que le faltó inventiva musical.

Publicado en La Vanguardia (22 / XI / 2010)

Pionero del jazz

2010-11-22T18:29:00.003+01:00

Foto: juanmiguelmorales-fotos.blogspot.com

El saxofonista y clarinetista de jazz barcelonés Ricard Roda falleció a últimas horas del pasado domingo como consecuencia de un infarto, a los 79 años. El fatal desenlace se produjo en La Seu d’Urgell, ciudad en la que el artista (premio Nacional de Música de la Generalitat en 1993) residía desde hacía algunos años. Roda se encontraba apartado de la actividad musical desde 1996, cuando sufrió una trombosis cerebral.

Ricard Roda fue uno de los pioneros del jazz en Catalunya. Su fértil carrera empezó a los 17 años. El ensayo de Jordi Pujol Baulenas Jazz en Barcelona, 1920-1955, lo sitúa por primera vez en 1948, formando parte del conjunto Crazy Boys. Por aquel entonces, ya era muy amigo de Tete Montoliu, quien en vida se refirió a Ricard Roda como uno de los pocos genios del jazz existentes en nuestro país.

Roda participó en algunos discos del primer Tete, acompañándolo junto a otros músicos en dos discos editados en 1958. Otro de los grandes amigos de Ricard Roda fue el pianista Francesc Burrull, quien ha estado muy cerca del saxofonista en los últimos años. En 1995, Roda y Burrull firmaban conjuntamente el disco Sinceritat.

Integrante de la Banda Municipal de Barcelona y de la Orquestra de Cambra del Teatre Lliure, Ricard Roda compartió escenario con figuras del jazz como Gerry Mulligan o Dizzy Gillespie, formando también en las orquestas de Xavier Cugat, Liza Minnelli y la Fania All Stars. Asimismo, trabajó con cantantes catalanes como Lluís Llach, Joan Manuel Serrat, Núria Feliu, Dyango o Marina Rossell.

En la década de 1970 formó parte de la Orquestra Mirasol, con la que grabó el disco de 1974 Salsa catalana, que contenía To de Re per a mandolina i clarinet, uno de los temas más emblemáticos de la onda layetana. Roda se implicó en la fugaz reaparición de la Mirasol en 1995, de la que posteriormente se editó un disco en directo.

En 1985 creó Roda de Saxos, una exitosa formación orquestal para saxofones, cuya dirección tuvo que abandonar al caer enfermo, pero que tendría un recorrido
posterior.

En mayo de 1997, se organizó en Barcelona un festival de apoyo al músico, en el que desfilaron 150 artistas a lo largo de seis días. Entre ellos, Tete Montoliu, Serrat, Pedro Iturralde, Pi de la Serra o Luis Cobos. El acto fue organizado por la asociación Artistas, Intérpretes o Ejecutantes (AIE). El portavoz de la entidad, Javier Cubedo, destacaba por aquel entonces a este diario que “Ricard Roda contactó con primeras figuras internacionales y con gran generosidad enseñó esos conocimientos a los músicos del país, introduciendo nuevas técnicas de improvisación y ejecución entre nosotros”.

Por su parte, Xavier Batllés, de la Orquesta Mirasol, destacaba a La Vanguardia la
“obertura” de Ricard Roda, con quien se llevaba 20 años, pese a lo cual trabajaron juntos estableciendo “un puente afectivo y musical entre generaciones”.

Publicado en La Vanguardia (21 / XI / 2010)

Discreción

2010-11-17T17:50:00.004+01:00

Yann Tiersen
Sant Jordi Club (13 / XI / 2010)

Unas 1500 personas se dieron cita en el Sant Jordi Club el sábado por la noche, donde el músico bretón Yann Tiersen (internacionalmente conocido gracias a las bandas sonoras de películas como Amélie), daba inicio a una gira de cinco fechas por el Estado español. Presentaba su nuevo disco, Dust Lane, un trabajo eminentemente instrumental, cuya gestación estuvo bastante marcada por la muerte de dos personas muy próximas al artista. Le teloneó Antonio Luque, quien luciendo una frondosa barba repasó lo mejorcito del repertorio de su grupo Sr. Chinarro, adelantando además alguna pieza del nuevo disco de la banda.

Junto a otros cuatro músicos y dos coristas, el versátil Tiersen se concentró bastante en su material más reciente (Amy, Till the end), aunque sin escatimar material anterior (Le train). Y, ciertamente, la conexión que estableció con los espectadores (entre quienes no era raro oír hablar en francés), fue positiva y calurosa. Sin embargo, el paso de este intérprete y compositor por Barcelona no puede ser considerado especialmente brillante desde el punto de vista creativo. Tiersen maneja una paleta de recursos que nos retrotrae a la era del rock sinfónico, aunque sin aportar ese plus de innovación que demandan los tiempos, y sin hacer gala de un especial virtuosismo en el capítulo instrumental, de modo que su propuesta resultó bastante más discreta de que lo que cabía esperar.

Publicado en La Vanguardia (16 / XI / 2010)

'Una Micah més...'

2010-11-16T16:55:00.008+01:00

Foto: myspace.com/micahphinson

Micah P. Hinson & Centro-Matic
Palau de la Música Catalana (12 / XI / 2010)

Cuando Micah P. Hinson actuó en Bikini en abril del 2008, ni el más pitoniso de los pitonisos podía prever lo que ha sucedido un par de años después: nadie podía imaginárselo cantando en el Palau de la Música, y en el contexto del Festival de Jazz. Así de original es, a veces, nuestra ciudad. Aunque no tan original como el propio Micah P., que planteó su comparecencia en el auditorio modernista de modo muy peculiar, extravagante incluso.

Satisfaciendo un viejo sueño, actuó junto al grupo Centro-Matic, el cuarteto capitaneado por su amigo Will Johnson. El guión de la noche contemplaba diferentes formatos: Micah P. solo; Micah P. con su esposa; Micah P. con Centro-Matic; y Centro-Matic sin Micah P., interpretando material propio como Covered up in mines. Todo ello comportó un gran tráfico de humanos entrando y saliendo de escena: además de los artistas ya mencionados, también desfilaron los ocho miembros del grupo de Collbató, Anímic, haciendo palmas y coros en Flashes & cables.

En algún momento, un par de espectadores se preguntaron en voz alta: “Where is Micah?”. No parecían enfadados, pero sí desconcertados, ya que a fin de cuentas Hinson sólo cantó 15 de las 23 canciones del programa. Se comprende que algunos esperaran un poco más o, forzando el chiste, una Micah més por parte del cantautor. Pero al final, todo es coherente con la personalidad de nuestro hombre, que basa su indudable garra escénica en un comportamiento imprevisible y, a la postre, encantador.

Micah P. venía a presentar su último álbum, ... and the Pioneer Saboteurs, del que extrajo temas como la espléndida Seven horses seen, bien apoyado por una banda en la que destacaron los buenos oficios del violinista. Tampoco quedaron atrás los tramos acústicos que se marcó el de Texas, que culminó su paso por el Palau con temas como When we embraced, el inédito God is good, o incluso una versión del mismísimo John Denver.

Publicado en La Vanguardia (15 / XI / 2010)

Conexión y elegancia

2010-11-09T17:45:00.009+01:00

Foto: myspace.com/thezombies

The Zombies
Apolo 2 (5 / XI / 2010)

The Zombies tuvieron un papel muy apreciable en los 60, sobre todo gracias a Odessey & Oracle, publicado en 1968, el mismo año que la banda inglesa se desmanteló. El mencionado álbum ha influenciado a las generaciones posteriores, lo que tuvo su reflejo en el concierto, poblado por veteranos de guerra y muchachada indie.

De la formación original, que nunca visitó Barcelona antes del viernes, ya sólo quedan dos elementos: Colin Blunstone (voz) y Rod Argent (teclado), que dieron comienzo a la actuación con Let it go, tema destinado a su próximo disco, coincidiendo con el cincuentenario del grupo. Ya con el resto de músicos, trabaron una sesión que recorrió su cancionero, así como las respectivas trayectorias en solitario de Blunstone y Argent.

La macanuda Time of the season propició el punto más álgido del recital, muy marcado por otros temas pertenecientes a Odessey & Oracle, desde Care of cell 44 hasta Tell her no. Buena conexión, extrema elegancia, y mucha curiosidad por saber cómo sonará su nuevo trabajo discográfico.

Publicado en La Vanguardia (8 / XI / 2010)

Viviendo el revival

2010-10-30T17:26:00.010+02:00

myspace.com/sharonjonesandthedapkings

Sharon Jones & The Dap-Kings
Sala Apolo (26 / X / 2010)

La estadounidense Sharon Jones presentó en Barcelona su último disco, I learned the hard way, ante un Apolo repleto. Tras la canónica intro hilvanada por su numeroso grupo, The Dap-Kings, la señora Jones hizo su aparición en el estrado, dando inicio a la fiesta con If you call.

Nacida en 1956, Sharon Jones prueba las mieles del éxito tras haber vivido su particular travesía en el desierto, ya que en los 90 tuvo que ganarse el pan en bodas, donde lo mismo interpretaba un clásico de la Motown que un tema de Jennifer López. Pero todo eso quedó atrás. Hoy es una de las protagonistas del revival soul que agita nuestro panorama, con la controvertida Amy Winehouse como figura de más proyección comercial, y el joven Eli Paperboy Reed como valor emergente.

Jones interpretó un repertorio en el que destacaron temas como la funkeada When I come home, o un Mama don’t like my man desgranado con el solo apoyo de guitarra, percusión suave y coros. También, claro, 100 days, 100 nights, y el destacado homenaje al malogrado Solomon Burke que fue Everybody needs somebody to love.

Sharon Jones satisfizo las mejores expectativas. Canciones de nueva escritura en la mayoría de los casos, pero con una arquitectura de lo más clásica, y una bonita conexión con el público, ejemplificada por los espontáneos que subieron al escenario para bailar al lado de la señora Jones.

Publicado en La Vanguardia (29 / X / 2010)

Garage y aliño

2010-10-29T16:21:00.002+02:00

myspace.com/thefuzztones

The Fuzztones
Sala Monasterio (25 / X / 2010)

The Fuzztones tuvieron un papel relevante a mediados de los años ochenta con un sonido crudo y buena sintonía con la psicodelia, la actitud punk y la estética gore, pero Lysergic emanations (1985) continúa siendo lo más destacado de un grupo del que sólo queda un miembro de la formación original, Rudi Protrudi. En Barcelona congregaron a medio centenar de aficionados, que les acogieron con más amabilidad que devoción. Sin el saxofonista que ha formado con la banda en otras ocasiones, trabaron una faena más bien de aliño, irregular.

La noche arrancó enérgica, con un bonito espasmo recorriendo la espalda del oyente, pero Rudi y sugente no supieron mantener la velocidad de crucero. Lo mejor de este grupo reside en su cancionero más obsesivo y veloz, pero cuando se aparta de estas marcas pretendiendo ahondar en registros más sutiles, su propuesta pierde interés, pudiendo conducir al aburrimiento o al desinterés.

Publicado en La Vanguardia (28 / X / 2010)

Ojos de luto

2010-10-24T15:01:00.001+02:00

Foto: myspace.com/ojosdebrujo

Ojos de Brujo
FNAC Diagonal Mar (21 / X / 2010)

Los lectores de La Vanguardia fueron los primeros en saberlo: tras una década de carrera musical casi siempre brillante, Ojos de Brujo entona la canción del adiós. Antes de acometer su última gira, el grupo actuó en el pequeño auditorio del FNAC de Diagonal Mar, coincidiendo con la edición del disco Corriente vital, donde revisitan material previo junto a una lista de voces invitadas que, en algún caso, causa perplejidad. En formación de sexteto, y con el apoyo de unas bases electrónicas que se escoñaron más de tres veces, prolongaron el bolo algo más allá del minutaje propio de un showcase.

Estaban en casa, relajados, y con ganas de decir algunas cosas. Marina la Canillas comparó a Ojos de Brujo con "una nave de la que se ha bajado, y a la que se ha subido mucha gente". "Desde hace algún tiempo - admitió-, y un poco por cosas personales, empezamos a no coincidir en cosas. Como quien dice, uno quería hacer thrash-metal, y otro bolero". Así que disco revisionista, gira de un año, y parón indefinido: "No sabemos si nos volveremos a juntar o no", precisó la cantante.

Tras las explicaciones, música. Recuerdos de cuando no había Ná en la nevera, pleitesía a san Bob Marley (Get up, stand up) ,y otras canciones como Ley de gravedad y Lluvia. Una actuación presidida por el desenfado y la buena comunicación con el público, pero en la que también podía percibirse cierto aire funeral. De buen rollo, claro.

Publicado en La Vanguardia (23 / X / 2010)

Paisajes interiores

2010-10-18T16:11:00.004+02:00

Foto: myspace.com/sanjosex

Òscar Briz / Sanjosex
Petit Palau (15 / X / 2010)

Primera sesión de BandAutors, ciclo del Palau de la Música para promocionar la actual escena musical catalana, poniendo un especial énfasis en la canción de autor. El concierto inaugural de BandAutors -cuyo programa se extiende hasta abril, a razón de un bolo por mes-, tuvo lugar en el Petit Palau, aunque otras actuaciones se desarrollarán en la sala principal.

El protagonista de la jornada fue el grupo Sanjosex, liderado por Carles Sanjosé, que presentaba oficialmente en Barcelona su tercer álbum, Al marge d'un camí. Fue precedido en escena por el valenciano Òscar Briz, quien también acaba de sacar disco, L´estiu, del que nos mostró en formato de trío canciones tan redondas como Llavor voladora, Carolina dins d´un pou y Baixant del cim de les boires.

Carles Sanjosé ha modificado su banda, eliminando al saxofonista e incorporando al guitarrista eléctrico Xarim Pomelo (Very Pomelo, Maika Makovski). El grupo ha ganado en cuanto a filo, y sin abandonar su pelaje poprock, va enriqueciendo su paleta musical, recurriendo a palos de lo más variado: sirvan de ejemplo cierto de arranque jotero en Content i bé, la calidez de Són instints, y los apuntes de blues que ilustraron algún otro tema.

Las canciones de Al marge d´un camí nos muestran a un Carles Sanjosé que ya no tiene tanta necesidad como antes de evocar el paisaje ampurdanés: una voz melancólica e introspectiva, que en el tema Futur incert confiesa: "Jo ja no vull pensar / jo ja no vull lluitar / vull fondre´m amb el llit / i escoltar la pluja". Espai llunyà y Animal salvatge destacaron en un concierto que también recaló en temas antiguos como la espléndida Baix Ter Montgrí, o la emblemática Puta.

Publicado en La Vanguardia (17 / X / 2010)

Lo que ha llovido

2010-10-11T14:14:00.000+02:00

Foto: myspace.com/massiveattack

Massive Attack
Pavelló Olímpic de Badalona (7 / X / 2010)

Massive Attack ha necesitado siete años para grabar un nuevo disco. La criatura lleva por título Heligoland, y los de Bristol la presentaron ante unas 4.500 personas en un Pavelló Olímpic de Badalona que no se llenó.

Grant Marshall y Robert Del Naja, vinieron acompañados de una numerosa troupe formada por cinco instrumentistas y tres cantantes, defendiendo su nuevo disco sobre todo el primer tercio de juego, cuando el público y los artistas todavía están en fase de tanteo, o, como quien dice, conociéndose.

Los momentos de clímax del concierto se vivieron gracias a su cancionero del siglo XX, época en la que Massive Attack marcó tendencia y revolucionó el panorama musical, mediante álbumes como Blue lines (1991) y Mezzanine (1998). El grupo encadenó cuatro canciones seguidas pertenecientes a este último disco, calando hondo entre la audiencia con Teardrop y Angel, tema en el que destacaron los buenos oficios del cantante jamaicano Horace Andy.

Justo antes del bis, cayó la pieza de Blue lines titulada Safe from harm, bien pilotada por el poderío vocal de Deborah Miller. El encore culminó con un tema nuevo (Atlas air), y un recuerdo a 1994 vía Karmacoma.

Heligoland es un disco apreciable que, seguramente, ganará con el tiempo. Aún así, parece claro que lo que esta banda tenía que aportar en cuanto a innovación, aventura y riesgo, ya está dado. A fin de cuentas, es normal: con todo lo que ha llovido, y lo que van pesando los años, tampoco es cuestión de exigirles que sigan estando en la vanguardia de lo rompedor.

En Badalona quedó claro que aguantan el tipo y el tirón más que bien, además de comprobarse que su foco sonoro se ha movido un tanto: conservando sus característicos horizontes enigmáticos, y algo menos cálida que antaño, la propuesta ha ganado en músculo rockero.

Publicado en La Vanguardia (10 / X / 2010)

Directo al corazón

2010-10-05T13:20:00.000+02:00

Foto: saintbartlett.com

Damien Jurado
Sala Be Cool ( 1/ X / 2010)

"¿Estáis cómodos? ¿De verdad? ¿No estaríais mejor sentados en el suelo?". Palabras (aproximadas) de Damien Jurado a su paso por Be Cool, una sala a cuyo escenario le convendría ganar un poco más de altura para asegurar la visibilidad del público. El cantautor de Seattle iniciaba en Barcelona una gira de diez fechas, presentando su nuevo álbum, Saint Bartlett, que ha producido junto a Richard Swift. Jurado interpretó canciones como Arkansas, Kalama o Cloudy shoes. Entre las repescas de su obra precedente, se contaban temas como Denton TX o Caskets.

Jurado compareció solo con la guitarra acústica, cantando ante un par de micros; uno de ellos se encontraba convenientemente preparado para que su voz sonara con reverberación casi catedralicia, cosa que aportó bastante encanto. Lo cierto es que Jurado logró una inmediata conexión con la audiencia, gracias a un cancionero presidido por desolaciones y amarguras que alcanzan gran vuelo lírico, y que a la postre acaban por tonificar el espíritu.

Este trovador urbano poetiza la melancolía con su espléndido registro vocal, en el que algunas veces pueden hallarse ecos de Neil Young o de Steve Wynn: un canto que, a pesar de los pesares que conforman el relato, raramente se traduce en drama y mucho menos en desgarro. Son las sutilidades, la calidez, la tremenda intimidad de sus canciones lo que apunta (directamente y con éxito) al corazón.

Publicado en La Vanguardia (4 / X / 2010)

Sin garantía

2010-10-03T14:51:00.003+02:00

Foto: myspace.com/fictionplane

Fiction Plane
Apolo 2 (29 / IX / 2010)

En el negocio de la música popular ser "hijo de" no es garantía de nada: hay "hijísimos" que consiguen labrarse una carrera (Bebel Gilberto), y otros que no (Julian Lennon). Esto último es lo que puede suceder con Fiction Plane, el grupo que lidera Joe Sumner, vástago de Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting.

Fiction Plane vino a presentar su tercer disco, Sparks, congregando a no más de 70 personas. Circunstancia que no afectó al estado de ánimo de Joe, que se comportaba como si estuviera ante un estadio. Joe se parece un montón a su padre: en fisonomía, en que ambos tocan el bajo, en la voz. Y cuando uno se topa con el indudable ascendente que tiene The Police en el grupo, empieza a pensar que algo va mal.

Fiction Plane es una banda esforzada, que busca el asalto a la fama con Out of my face, Push me around y demás: temas bien escritos, pegadizos, más que correctos, aunque carentes de esa chispa de originalidad, o cuanto menos personalidad, de quienes aspiran a seguir en activo.

Publicado en La Vanguardia (2 / X / 2010)

Subido color local

2010-09-25T13:59:00.000+02:00

Foto: laiaia.cat

Las calles del centro (amén de escenarios más distantes, como el Fòrum), albergan estos días de fiesta una importante cantidad de conciertos gratuitos agrupados bajo el paraguas del BAM, que empezó su andadura ayer, con grupos de Barcelona y del resto de Catalunya mandando en el programa. Por añadidura, se habían programado más actuaciones en diversos puntos de la ciudad, entre ellas la de Quimi Portet en la plaza de Catalunya.
El cartel del BAM de ayer albergaba una veintena de conciertos, situados por lo general en el universo indie, donde hay cabida para artistas de diferente sesgo estético.

La jornada arrancó a las 21.45 horas en la plaza Joan Coromines, con la actuación de La Iaia. Tal es el nombre de guerra del cantautor Ernest Crusats, de Vic. Crusats y su banda desplegaron temas de su primer disco como El meu vaixell, o la canción-manifiesto Jo vull ser la meva iaia, en la que supieron hilvanar una efectiva épica.

Algo más tarde, el grupo Bullitt sentaba sus reales en la plaza Reial. La formación de Sant Feliu de Guíxols presentaban su nuevo trabajo, Love or die, un vitaminado ejercicio post-hardcore al que algunos clientes de de los restaurantes próximos asistieron con cierta perplejidad. Interesante formación esta, que mostró buenas credenciales en cuanto a filo y velocidad.

Los primeros conciertos del BAM no fueron seguidos precisamente por grandes masas, tónica que se mantuvo cuando el sexteto Seward ocupó el escenario de la plaça del Rei. Los barceloneses llegaron al programa de la fiesta mayor gracias al poder del boca oreja; boca oreja a la antigua usanza, ya que son refractarios al tan cacareado mundo 2.0, lo que de algún modo les convierte en héroes de nuestro tiempo.

Estos Seward, que tienen un disco en la calle, parecen haberse propuesto alterar conciencias con su propuesta de marcado corte experimental, que se caracteriza por el uso de gran variedad de instrumentos y recursos sonoros, y la muy dramática voz de su cantante.

El primer round del BAM debía concluir a las cuatro y media de la madrugada de ayer en el Fòrum. Al cierre de esta crónica quedaba, pues, mucha tela por cortar, con las mayores expectativas centradas en conciertos como el que debía ofrecer el grupo Standstill en la plaza Reial, o el embolado conjunto de Mujeres y Els Surfing Sirles anunciado en la plaza dels Àngels.

Publicado en La Vanguardia (24 / IX / 2010)

Un tándem formidable

2010-09-21T16:26:00.002+02:00

Foto: Martí E. Berenguer

La actuación conjunta de Quimi Portet y el trompetista italiano Cesare dell´Anna el pasado sábado, será recordada como una de las mejores propuestas que ha albergado la XXII edición del Mercat de Música Viva de Vic. El evento, clausurado ayer, ha ofrecido cerca de un centenar de conciertos, con un millar de profesionales acreditados y algo más de 50 expositores en el pabellón ferial de El Sucre, compartiendo stand en algunos casos, como reflejo de la crisis económica.

Portet i Dell´Anna, que han ensamblado un brillante tándem, se presentaron al frente de sus respectivas bandas en el teatro L´Atlàntida. En total, eran nueve intérpretes en escena dando vida a una expansiva sesión en la que primaron las canciones de Quimi, aunque también hubo espacio para temas pertenecientes al repertorio de su nuevo socio, como Allegria di naufragi.

Cesare dell´Anna dirige un formidable combo, donde la potencia de las bandas de metal del sur de Italia se engrandece con un toque de magia zíngara y los vaivenes progresivos. Ello aportó nuevos y vistosos ímpetus al cancionero de Quimi Portet, que cautivó de modo especial a la audiencia con Homes i dones del cap dret. Haciendo gala del sentido del humor que le caracteriza, Quimi sugirió a los responsables del Mercat que adoptaran el título de otro de sus temas, Si plou ho farem al pavelló, como himno oficial del festival.

Y es que el líquido elemento no deja de ser coprotagonista del MMVV un año tras otro, aunque sus responsables no se plantean buscar una nueva ubicación en el calendario. Pero en cualquier caso, más que los imponderables del tiempo, la rueda de prensa de valoración de esta edición del Mercat, celebrada ayer, reflejó la incierta situación que vive el sector. Lluís Puig, su director artístico, se hizo eco de la disminución de dinero público que se destina a la música, lo que provoca un cambio de paisaje que obliga a los profesionales "a hablar más en plural y menos en singular".

Ante las nuevas realidades, Puig deseó que "los cambios de comportamiento de todas las partes sean graduales", abogando por "un esfuerzo que permita encontrar salidas y cohesionar el sector". Sector que, según constató el delegado de Música de la Generalitat, Josep Maria Dutrén, depende más de los presupuestos institucionales que otros ámbitos culturales, como el teatro.

Publicado en La Vanguardia (20 / IX / 2010)

Noche de Perro en Vic

2010-09-20T15:55:00.008+02:00

Foto: myspace.com/juan-perro

La solvencia de Juan Perro marcó la jornada del sábado del Mercat de Música Viva de Vic, cuya programación se vio seriamente alterada por las persistentes lluvias de la tarde-noche. La tormenta eléctrica obligó a los organizadores del Mercat a suspender la mayoría de actos programados en espacios abiertos como la plaza Major, la plaza de la Catedral, la plaza dels Màrtirs, i la rambla del Passeig. Así las cosas, se cayeron del cartel entre otros los conciertos de Sidonie, la Orquestra Àrab de Barcelona o el grupo Inspira.

Santiago Auserón ha recuperado a su álter ego Juan Perro, que actuó en el teatro L´Atlàntida en compañía del guitarrista Joan Vinyals, presentando un repertorio con canciones que todavía se encuentran "a media cocción", según dijo el propio artista. Sugerentes composiciones como Poco talento, que, previsiblemente, formarán parte de su próximo disco, muy esperado, ya que Juan Perro no publica un álbum como tal desde el 2002, cuando se editó Cantares de vela.

Sembrado de voz y de humor, Auserón obsequió a los espectadores que llenaban por completo el local con un cancionero que, muchas veces, exploraban el pozo sin fondo del blues. Por lo demás, no escatimó temas tan emblemáticos de su trayectoria como No más lágrimas, donde mostró maneras de crooner, o la canción de Radio Futura La estatua del jardín botánico, único bis de la velada.

En la Jazz Cava actuó el pianista Manel Camp, presentando el disco Tangram, salido de fábrica esa misma tarde, junto a los magníficos Matthew Simon (trompeta), Horacio Fumero (contrabajo) y un especialmente inspirado Lluís Ribalta a la batería. Por su parte, la berlinesa afincada en Catalunya Juliane Heinemann nos dejó con un muy buen sabor de oídos mediante las canciones de su álbum homónimo y algunas piezas que formarán parte del próximo disco de esta interesante cantautora moderna.

Publicado en La Vanguardia (19 / IX / 2010)

'Transversal' abre Vic

2010-09-19T15:32:00.001+02:00

Foto: Martí E. Berenguer

Las flamantes instalaciones del teatro L´Atlàntida acogieron anteanoche la jornada inaugural del Mercat de Música Viva de Vic, que en su vigésima segunda edición ofrece un centenar largo de conciertos repartidos en diez escenarios.

El Mercat arrancó con la actuación conjunta del guitarrista Pedro Javier González, el intérprete de tres cubano Raúl Rodríguez, y el percusionista indio Trilok Gurtu, que presentaron en la capital de Osona Transversal. Esta coproducción del propio Mercat y el Festival de la Porta Ferrada de Sant Feliu de Guíxols fue seguida por 800 espectadores, que ocupaban la totalidad del aforo.

Transversal (que ya pudo verse el pasado agosto en Sant Feliu) es una propuesta que rezuma mediterraneidad, aderezada con la calidez del tres y el virtuosismo de un comunicativo Trilok Gurtu. Entre las piezas interpretadas, unas alegrías sugestivamente perezosas, el lirismo y la complejidad de la Bulería de la frontera, y el particular scat del hindú en su tema Balato.

Inauguración al margen, la cantante Beth también llenó el Auditori situado en el mismo edificio (280 personas), presentando Segueix-me el fil. Se trata del primer disco en catalán que graba la ex concursante de Operación Triunfo, que ha contado con Ricky Falkner en la producción. Falkner se integró en el conjunto de Beth, y también en la banda que unas horas después acompañaba a The New Raemon, que hizo las delicias de la muchachada indie al filo de la medianoche.

En la plaza dels Màrtirs, actuaron los franceses Bratsch, con una propuesta que aúna el jazz manouche y el folk centroeuropeo, mientras que la heroica Jazz Cava local fue testigo de las evoluciones del combo capitaneado por Larry Jean Louis, guitarrista venezolano de origen martiniqueño.

Publicado en La Vanguardia (18 / IX / 2010)

Camaradas

2010-09-16T08:00:00.002+02:00

El Retaule
Intérpretes: José Domingo; Isaac Ulam; El Petit de Cal Eril; Maria Coma; María Rodés; Bikimel; Ferran Palau; Joan Colomo; Sanjosex; Mazoni; Le Petit Ramon; Pere Agramunt
Festival Altaveu, Sant Boi de Llobregat (11 / IX / 2010)

En el 2006, el sello Bankrobber se sacó de la chistera unos encuentros que, juntando a dos artistas alrededor de una mesa y una copa, dieron mucho juego. El sábado, y en el contexto del festival Altaveu, se estrenaba El Retaule, una producción basada en el mismo espíritu que las mencionadas sobremesas, aunque con más personal en nómina, ya que la propuesta juntó en Sant Boi a nada menos que doce músicos, a los que cabe añadir el poeta Josep Pedrals, maestro de ceremonias de la gala.

Ante una provisión de líquidos en la que no faltaba de nada, los protagonistas intercambiaron risas, compartieron tabaco, y edificaron más o menos colectivamente un programa de 25 temas: dos del repertorio de cada uno de ellos, y una versión final de El rey, de José Alfredo Jiménez. Entre lo mejorcito, y por citar sólo tres ejemplos, Busy (Maria Rodés), Jònic (Bikimel) i Ei, que surt el sol (Mazoni).

En el recorrido, de dos horas, hubo algún bache, como es lógico en un montaje así, donde se busca un cierto salto sin red, cosa que el espectador agradece. Lo encantador de El retaule fue poder compartir la camaradería reinante entre unos músicos que practican diferentes estilos, sin que ello suponga ningún problema. Un sanísimo tono vital al que contribuyeron lo suyo quienes habitaban el ala izquierda del escenario, donde El Petit de Cal Eril sembró humor y retranca, y Le Petit Ramon las mataba callando.

Publicado en La Vanguardia (15 / IX / 2010)

Fiesta de pijamas

2010-09-11T08:00:00.001+02:00

Foto: myspace.com/sonifred

Fred i Son
Apolo 2 (8 / IX / 2010)

La portada del primer disco de Fred i Son (Diu que no sap què vol, 2010) reproduce una escena playera hecha con punto de cruz. Acertada propuesta gráfica que refleja algunas características del trabajo de esta banda barcelonesa, propietaria de un cancionero doméstico, naïf,de una sencillez que resulta encantadora. En Apolo, el cuarteto desgranó los temas del álbum, adelantando una pieza de nueva escritura. Fue una noche de grandes complicidades, en la que Fred i Son recibió a varios invitados. Entre ellos, Miguel Ángel Blanca, cantante de Manos de Topo, que se sumó al combo en Banquet al fons del mar. La noche devino una armoniosa fiesta de pijamas, en la que el grupo lució modelos tan sugerentes como Plens de vida y L'arc de Sant Martí, dos de los mejores temas de su álbum de debut.

Publicado en La Vanguardia (10/ IX / 2010)

Poetas en el museo

2010-08-22T20:16:00.003+02:00

Foto: totisoler.com

Toti Soler
Museu d´Història de Catalunya (19 / VIII / 2010)

Coincidiendo con la exposición La nova cançó, la veu d´un poble, el Museu d´Història de Catalunya ha organizado una tanda de conciertos que empezaron en julio y acabarán en septiembre. Las mencionadas actuaciones están convocadas en la terraza del museo, pero con las lluvias de este agosto los responsables de la cosa ya se han llevado algún disgusto, de manera que el recital ofrecido por Toti Soler anteayer fue trasladado al hall del edificio, que se encontraba repleto de público.

La idoneidad de programar a Toti Soler en estos recitales es absoluta: por su trabajo personal, y por su labor acompañando a la guitarra a otras figuras, de manera especial el malogrado Ovidi Montllor. Soler, de 61 años, se presentó junto al contrabajista Marc Prat, socio suyo desde hace bastante tiempo, y el batería Joan-Anton Mas, con quien compartía esa noche escenario por primera vez. No fue, esta, la única novedad de la noche, ya que en la parte final de la sesión interpretó un tema que hasta el momento nunca había hecho en directo: la Cançoneta noucentista del mal camí, con palabras de Pere Quart.

Toti Soler obsequió a los asistentes con un prolijo repaso por las magníficas adaptaciones poéticas que ha ido facturando a lo largo de su carrera. Fue así como cayeron temas como Em dius que el nostre amor (Joan Vergés), Cançó de suburbi (Josep Maria de Sagarra) o Petita festa (Li Po traducido por Marià Manent). En la tanda de bises, y tras la sonora petición de un espectador, se avino a edificar su versión del tema de Leonard Cohen Suzanne, que tradujo al catalán Josep Maria Andreu.

Junto a estas y otras canciones, Soler ofreció un gran número de instrumentales que le acreditaron, una vez más, como extraordinario guitarrista. Se trata de composiciones propias como Léo Ferré (escrita en honor del gran artista monegasco, con quien tuvo portunidad de trabajar), Nit sense estrelles o Sívia, pieza que deslumbró a la audiencia por su gran expresividad.

Publicado en La Vanguardia (21 / VIII / 2010)

El regreso del 'chansonnier'

2010-08-18T19:44:00.003+02:00

Charles Aznavour
Festival de Cap Roig, Calella de Palafrugell (16 / VIII / 2010)

Unos 2. 000 espectadores, según la organización, acudieron anoche en Calella de Palafrugell al concierto ofrecido por el cantautor Charles Aznavour, quien regresaba a los escenarios catalanes tras una larga ausencia de 22 años. Aznavour actuó en el Festival de Cap Roig, el mismo espacio donde hoy martes ofrecerá un segundo recital. El intérprete francés de origen armenio dio inicio a la gala con unos excusables diez minutos de retraso, descorchando con la canción Les émigrants un recital que se prolongó por espacio de una hora y 45 minutos. En total, desgranó 24 temas, tras los cuales no ofreció ni un solo bis.

Charles Aznavour se presentó en tierras ampurdanesas acompañado de una discreta banda compuesta por siete instrumentistas, a los que se sumaban dos coristas. Entre ellas, la propia hija del chansonnier, Katia Aznavour, que hizo dúo con su padre en el primer tercio del concierto, cuando ambos interpretaron el tema Je voyage. Vestido de negro, Charles Aznavour demostró tener un excelente sentido del humor en su saludo inicial al público, hilvanando un buen chiste a costa de las condiciones meteorológicas de la zona: "Ya hace tiempo que pierdo pelo, pero seguro que hoy perderé bastante más por culpa de la tramontana", dijo.

Aznavour desarrolló en el festival un repertorio que transitó por su cancionero más emblemático, desde La bohème hasta Venecia sin ti, una de la media docena de piezas que interpretó en castellano. Entre lo mejor acogido por el público, en el que había un buen número de ciudadanos procedentes del sur de Francia, destacaron temas como Il faut savoir, La mamma o She, la única tonada de la gala cantada en inglés, y que adquirió gran popularidad en 1999 al formar parte de la banda sonora de la película Notting Hill.

Los aficionados que poblaban anoche los magníficos jardines de Cap Roig, aplaudieron a un artista refractario a la jubilación, pese a que ya ha celebrado su cumpleaños número 86. Lo cierto es que Charles Aznavour ha anunciado varias veces su retirada (la última, el año pasado), pero para gran alivio de melómanos de todo el mundo, hasta el momento no ha mantenido su palabra, y ha acabado regresando a los escenarios. Según ha manifestado él mismo, próximamente publicará un nuevo disco, en el que ha colaborado con músicos de Cuba, Italia y Estados Unidos.

Consignada su determinación a seguir en activo, justo es también reflejar que el paso del tiempo no ha dejado incólume a Charles Aznavour, quien tuvo algún desliz de memoria y de voz. Por fortuna, los mencionados inconvenientes no fueron nada grave, y sólo pueden inscribirse en el capítulo de lo anecdótico. Y es que, ante todo, ayer por la noche primaron el oficio y el asombroso repertorio de un verdadero gigante de la música popular.

Publicado en La Vanguardia (17 / VIII / 2010)

El jazz comprometido

2010-08-17T19:16:00.003+02:00

Foto: vervemusicgroup.com

La cantante de jazz Abbey Lincoln, considerada por tantos la última gran dama del género, falleció el sábado en Nueva York, ciudad en la que residía, a los ochenta años. La noticia fue confirmada por el hermano de la artista, David Wooldridge, al diario The New York Times. La vocalista padecía graves problemas de salud desde que, en el año 2007, fue sometida a una operación quirúrgica a corazón abierto.

Abbey Lincoln fue una de las voces más profundas y con más quilates del mundo del jazz, cuyo estilo se asociaba frecuentemente al de Billie Holiday. Destacó asimismo como activista política en las luchas por los derechos civiles de la década de los sesenta del pasado siglo. En el último tramo de su carrera, ganó también gran prestigio a causa del alto vuelo poético y filosófico de las canciones que ella misma escribía, algo que puede apreciarse en todo su esplendor en el disco del 2007 Abbey sings Abbey,el último de cuantos grabó.

Abbey Lincoln empezó a dar sus primeros pasos en el mundo de la música a principios de la década de los cincuenta, actuando en clubs de Honolulu (donde tuvo ocasión de coincidir con Louis Armstrong y Billie Holiday) y de California. Nacida en Chicago como Anna Marie Wooldridge, adoptó su nombre artístico en 1956, el mismo año que publicó su primer disco con Benny Carter y actuó en la película The girl can´t help it, protagonizada por Jayne Mansfield.

En 1957, se trasladó a Nueva York, donde trabajó en el club Village Vanguard y emprendió la grabación de su segundo álbum, That's him, en el que trabajó junto al saxofonista Sonny Rollins y el baterista Max Roach, con el que estuvo casada entre los años 1962 y 1970. Fue en esa etapa de su vida cuando resolvió ir dejando atrás la imagen de chica glamurosa que había cultivado hasta aquel entonces, para adoptar una mayor exigencia artística.

Abbey Lincoln participó en 1960 en el disco de Roach We insist! - Freedom now, una suite musical con texto de Oscar Brown que ya forma parte de la memoria artística del movimiento por los derechos civiles. La cantante empezó a destacar como activista política, y tomó parte junto a otros músicos en actos de la Asociación para el Progreso de la Gente de Color (NAACP en sus siglas en inglés) y otras entidades de similar naturaleza.

Tras su participación en We insist!..., Lincoln grabó el disco Straight ahead (1961), donde también formó con Mal Waldron, el último pianista que compartió escenario con Billie Holiday antes de su muerte. El álbum incluía letras de autoría propia como In the red, donde se hacía eco de las injusticias económicas padecidas por los afroamericanos. Su militancia desagradó a cierto crítico que, en su comentario sobre el disco en cuestión, calificó a Abbey Lincoln de "profesional negra".

En los años posteriores, Abbey Lincoln permaneció alejada de la música y se concentró en su carrera como actriz. En 1964 actuaba junto a Ivan Dixon en la película Nothing but a man, y en 1968 dio la réplica a Sidney Poitier en la comedia romántica For love of Ivy. Figuró también como estrella invitada en varias series televisivas durante esa década y la siguiente, como All in the family y Marcus Welby, MD.

A lo largo de los años setenta y ochenta, Abbey Lincoln grabó en sellos pequeños, hasta que en 1991 logró un nuevo éxito con The world is falling down, disco con el que regresó a la primera línea musical, y al que seguirían otros trabajos de éxito. En esta nueva etapa, que aseguró su definitiva consagración, se rodeó de instrumentistas como el trompetista Clark Terry o el vibrafonista Bobby Hutcherson. En total la artista grabó más de 20 discos a lo largo de su carrera. En el año 2002, la ahora fallecida artista protagonizó tres conciertos memorables en el Lincoln Center de Nueva York.

Publicado en La Vanguardia (16 / VIII / 2010)

Nuevos encantos

2010-08-14T18:56:00.005+02:00

Foto: myspace.com/cuchovaldes

Chucho Valdés & The Afro Cuban Messengers
Festival de la Porta Ferrada, Sant Feliu de Guíxols (11 / VIII / 2010)

Cuentan las crónicas que el pianista Chucho Valdés afrontó sus primeros compromisos profesionales en 1958, cuando contaba apenas 17 años. Ahora que se acerca a los setenta, y con todo su impresionante prestigio a cuestas, sigue queriendo sorprender y sorprenderse, emprendiendo nuevas direcciones musicales, que podremos degustar dentro de unas semanas, cuando se comercialice en nuestro mercado el nuevo disco Chucho´s steps.

A su paso por Sant Feliu de Guíxols, el hijo de Bebo adelantó un total de cinco temas pertenecientes al mencionado álbum, donde trabaja con una serie de elementos de la música cubana, africana y el jazz, que no había utilizado en su obra precedente. Entre lo mejorcito del nuevo material, Zawinul´s mambo, con la percusión en primer plano y un certero desarrollo narrativo, y Yansá, frondosa y elegante jungla creativa.

Chucho Valdés ha formado los Afro Cuban Messengers, espléndido sexteto donde ha acogido a destacados nuevos talentos de la música cubana. Intérpretes de gran calidad instrumental, entre quienes es obligatorio mencionar a Dreiser Durruthy Bombalé, quien manejó el tambor batá, y también cantó en varios momentos usando la lengua yoruba. Entre otras hierbas, la profundización en los misterios y encantos de la rítmica africana es una de las grandes coordenadas del actual proyecto de Valdés.

Más allá de Chucho´s steps, en el concierto del miércoles nuestro artista revisitó la Misa negra de Irakere, contando también en algunos temas con la voz de su hermana, la cantante Mayra Valdés, cuya participación no debe ser calificada de memorable. No fue el único guiño familiar de la noche, ya que en el tramo final Bebo Valdés atacó el teclado junto al pequeño Julián, su hijo, cómodamente instalado en el regazo del pianista.

Publicado en La Vanguardia (13 / VIII / 2010)

Trucos y estrategias

2010-08-13T18:43:00.002+02:00

Foto: mariza.com

Mariza
Festival de la Porta Ferrada, Sant Feliu de Guíxols (10 / VIII / 2010)

Buena ocupación en el Espai Port para asistir a uno de los últimos conciertos de Terra, gira que Mariza inició hace más de dos años, y que ha paseado por medio mundo. La cantante regresaba a Sant Feliu de Guíxols, cuando todavía está vivo entre la afición el recuerdo que dejó, en la edición del 2008, el espectáculo Fados de Carlos Saura.

Cerca de veinte temas mostraron las muchas caras de una artista que, según manifestó al público, hace una música que "tiene una gran influencia del fado". Es así como, junto a temas más o menos canónicos como Meu fado meu, Mariza tomó derroteros de diverso signo, entre ellos la evocación caboverdiana contenida en Beijo de saudade, la visita a la música del Alentejo que supuso Feira de Castro, y el pelaje pop que caracteriza números como Morada aberta.

Esta mozambiqueña criada en el barrio lisboeta de Mouraria ha dejado atrás la etiqueta de artista emergente, para consolidarse como uno de los valores sonoros más sólidos de su país, gracias a sus grandes cualidades como vocalista, así como a la inteligencia de su planteamiento musical.

Lamentablemente, no puede decirse lo mismo de la actitud escénica que adoptó en las postrimerías del recital. Si en otras fases del bolo había obsequiado con detalles de gran belleza, y hasta con una cierta trascendencia, a medida que se acercaba el final cayó en una retahíla de trucos que podría haberse ahorrado. Buscó coro y claca con demasiada insistencia, hizo rivalizar a los dos hemisferios de la platea a ver quién cantaba mas fuerte, y cedió protagonismo para que el batería se explayara en un solo muy aparente y vistoso, pero bastante más discreto desde el punto de vista creativo. Vale que es veranito, y que un poco de frivolidad nunca ha hecho mal a nadie, pero una artista de su calibre no necesita usar tan manidas estrategias para caer bien al público.

Publicado en La Vanguardia (12 / VIII / 2010)

De bien en peor

2010-08-12T18:25:00.003+02:00

Foto: www.myspace.com/joebowiesdefunkt

Defunkt nEU Soul
Luz de Gas (7 / VIII / 2010)

En 1978, el trombonista y cantante Joe Bowie (hermano de Lester), fundaba Defunkt, una máquina donde funk, jazz y rock, se complementaban y engrandecían de un modo simplemente adorable. Tantos años después, las cosas han cambiado mucho: afincado en Holanda desde 2003, Joe Bowie sigue siendo el titular de la marca Defunkt, grupo que ha bautizado como Defunkt nEU Soul, y en el que le acompañan músicos europeos.

Tras largos años de ausencia de los escenarios barceloneses, los refundados Defunkt regresaron a la ciudad el pasado sábado en el contexto del Mas i Mas Festival, convocando en Luz de Gas a un número de espectadores más bien escaso. Joe Bowie y su gente actuaron por espacio de dos horas, centrándose casi en exclusiva en el contenido de los discos de Defunkt aparecidos en 1993 y 1995, y rematando la faena con una versión del tema de Michael Jackson Another part of me.

El concierto fue de bien en peor, arrojando un saldo final decepcionante. Es cierto que, en el primer tercio del bolo, temas como See through o Cum funky reverdecieron el feliz espasmo que caracterizaba los buenos tiempos de Defunkt. Pero la cosa no tardó en derivar hacia terrenos más asequibles: temas de negro satén que pivotaban por soul radio friendly, con algún destello de acid-jazz, y que amuermaron fatalmente el ambiente, sensación que se mantuvo hasta el final, pese a los posteriores intentos de remontar el vuelo por parte del grupo.

Publicado en La Vanguardia (11 / VIII / 2010)

Tinto de verano

2010-08-08T18:13:00.004+02:00

Foto: myspace.com/omaraportuondo

Buena Vista Social Club & Omara Portuondo
Festival Música de Cadaqués (5 / VIII / 2010)

En 1997, Ry Cooder dio a conocer las virtudes del Buena Vista Social Club. Un disco homónimo, y el documental que Wenders dirigió después, revitalizaron el interés por la música tradicional cubana en todo el orbe, sirviendo de base para el despegue de las respectivas carreras de viejos músicos injustamente olvidados. Mas luego vino la parca, que se llevó a Compay Segundo, Ibrahim Ferrer, Rubén González y demás socios del club.

Ante tal parte de bajas, quizá lo más sensato hubiera sido dar carpetazo a la marca. Pero no. La otra noche, la tramontana saludó a la actual encarnación del BSC, orquesta de 13 elementos entre los que se hallaban algunos supervivientes de la primera etapa, como Barbarito Torres o Manuel Guajiro Mirabal. El actual BSC parece haberse convertido en una franquicia, ya que aborda sus compromisos como un trámite: con corrección, sí, pero con cierta desgana. La presencia de Omara Portuondo fue más bien breve: apareció en el último tercio, rebosando tablas, encanto y también años. En sintonía con la banda, lo suyo nunca pasó de castaño oscuro. Igual que el tinto de verano, la noche fue tan agradable como ligera y fugaz.

Publicado en La Vanguardia (7 / VIII / 2010)

Distinción

2010-08-02T18:01:00.000+02:00

Rokia Traoré
L'Auditori 2 (29 / VII / 2010)

La maliense Rokia Traoré protagonizó la jornada inaugural del Mas i Mas Festival, ciclo que amenizará la noche musical barcelonesa durante el mes de agosto. Nacida en 1974, Traoré empezó a abrirse camino en 1998 con Mouneïssa, habiendo publicado desde entonces otros tres álbumes. El último de ellos (el aclamado Tchamantché del 2008), centró su concierto barcelonés, que inició con la atmosférica Dianfa, y en el que también incluyó muestras del mencionado álbum como Zen o Tounka. Junto a temas procedentes de sus anteriores discos, Rokia Traoré homenajeó a Miriam Makeba mediante Quit it. En la poderosa y danzante tanda de bises, invocó a otro cadáver exquisito de la música africana, Fela Kuti, con African woman.

Rokia Traoré extiende su trabajo más allá de los límites de lo tradicional, al punto que en el conjunto eléctrico que la acompañaba figuraba un solo instrumento autóctono, el n´goni. Espléndida cantante e inspirada compositora, Traoré factura un pop global y arrebatador, en el que se aúnan las esencias griot con el blues, el funk y el rock. Una propuesta contemporánea e inteligente, fruto de las inquietudes y la capacidad de reinvención que singularizan a nuestra cantante en el a veces estático circuito de la world music.

Publicado en La Vanguardia (1 / VIII / 2010)

El experimento

2010-07-28T20:02:00.007+02:00

Dee Dee Bridgewater
Teatre Grec (24 / VII / 2010)

Cuentan que, siendo aún muy joven, Dee Dee Bridgewater quedó impactada tras la lectura de las memorias de Billie Holiday. En los 80, encarnó a Holiday en el musical Lady Day, y este año ha consagrado a la malograda cantante un disco de homenaje: Eleanora Fagan (1915-1959): to Billie with love from Dee Dee.

El recuerdo de Billie Holiday presidió, pues, su última visita al teatro Grec. La cantante estadounidense actuó ante tres cuartos de aforo, secundada por el cuarteto que comanda el pianista portorriqueño Edsel Gómez, espléndido director musical de un proyecto que revisa canciones como Lady sings the blues, Good morning heartache o Strange fruit, tema interpretado en el bis.

Calibre vocal, emotividad y capacidad de transmisión caracterizaron el trabajo de la siempre bienhumorada Dee Dee, que firmó un concierto que dejará recuerdo... para lo bueno y para lo malo. Entre lo primero, que fue la inmensa mayoría, se cuentan momentos especiales como la lectura de Mother´s son-in-law que protagonizaron la cantante y el contrabajista Kenny Davis.

Lo malo derivó de un error de cálculo cometido por Dee Dee, que quiso llevarse al escenario a su perrito, en lo que calificó de experimento. La cosa se saldó con momentos sin duda cómicos; aunque también con episodios menos agradables, sobre todo cuando al chucho le dio por ladrar mientras su dueña atacaba temas como Don´t explain.

Publicado en La Vanguardia (27 / VII / 2010)

Límites

2010-07-24T19:48:00.003+02:00

Corinne Bailey Rae
Teatre Grec (21 / VII / 2010)

Aforo prácticamente completo para ver a Corinne Bailey Rae. Tras permanecer un tiempo apartada de la escena musical, como consecuencia de la trágica muerte de su marido, el también músico Jason Rae, la cantante británica ha regresado con The sea, su segundo disco, que defendió mediante canciones como Are you here, I´d do it all again o la que da título al trabajo. Sin escatimar, claro, muestras de su anterior y muy exitoso álbum, desde Put your records on hasta Like a star. Como único bis, una particular versión de Qué será será, tema que popularizó Doris Day.

Elegante como pocas, Corinne Bailey Rae posee una voz ciertamente especial: un bello deje soul, comunicativo, tremendamente sexy en la distancia corta. La rodeaba una banda de ejecución impecable, con la que trabó instantes de sofisticación y solemnidad, como Love´s on its way. Aún así, el grueso del concierto transitó por un sonido más asequible. Con todo el buen gusto exigible, sí, pero moviéndose dentro de unos límites que una cantante de sus cualidades podría atreverse a rebasar sin temor alguno.

Publicado en La Vanguardia (23 / VII / 2010)

Razones para amarla

2010-07-21T19:36:00.004+02:00

Erykah Badu
Poble Espanyol (18/ VII/ 2010)

Escasa media entrada en el concierto de Erykah Badu, que afronta de modo muy peculiar las nuevas circunstancias del negocio musical, ya que trata de sacar dinero como sea, incluso a riesgo de rozar el ridículo. Megafonía y carteles recordaban a los espectadores congregados en el Poble Espanyol que, una vez acabado el bolo, la artista estaba dispuesta a fotografiarse con cualquier espectador... eso sí, pagando 75 euros del ala. Por lo demás, no pisó el escenario hasta 45 minutos después de lo previsto, y saldó su compromiso barcelonés con tacañería, actuando tan sólo una hora y diez minutos.

Venía a presentar su último álbum, New Amerykah part two (Return of the Ankh), al que dispensó atención desde el principio mediante 20 feet tall, junto a piezas anteriores como como I want you o The Healer. Extravagante y poderosa en escena, venía apoyada por una sensacional banda de 11 elementos, dejando claro que por encima de sablazos y descortesías, hay poderosas razones para amarla. No contenta con ser una vocalista fuera de lo común, su trabajo está presidido también por la excelencia musical. Su visión del soul y afluentes es brillante y osada, repleta de giros inesperados, imaginativas variaciones y demás estrategias que la sitúan entre las mentes más inquietas de esta industria.

Publicado en La Vanguardia (20 / VII / 2010)

De Nat a Neil

2010-07-20T19:16:00.004+02:00

Natalie Cole
Festival de la Porta Ferrada, Sant Feliu de Guíxols (17 / VII / 2010)

Tras un serio ajuste económico, que a última hora se llevó por delante cosa de un tercio del presupuesto, el Festival de la Porta Ferrada empezó su andadura anteanoche en un escenario situado cerca del puerto de Sant Feliu de Guíxols. A pesar de la maldita crisis, el decano de los festivales catalanes no ha planteado una edición de trámite, pues hallamos en su cartel propuestas de notable interés.

La gala inaugural tuvo como protagonista a Natalie Cole. La cantante norteamericana compareció con veinte minutos de retraso ante unas 1.600 personas, por norma general de edad madura, arropada por una competente banda formada por seis instrumentistas, a los que se añadían dos coristas. De largas piernas y tatuado tobillo, Natalie Cole iba montada en unos vertiginosos tacones, luciendo un vestido negro corto, y con aspecto de tener menos de los 60 años que en realidad atesoran sus huesos.

El programa pivotó mayormente por terrenos jazzísticos, articulado alrededor de clásicos como la inicial Fever, con la que evocó a Peggy Lee, y prosiguiendo algunos minutos después con Route 66, en la que hizo scat con mucha autoridad. En la mencionada pieza, Natalie Cole evocó por primera vez el repertorio de su señor padre, Nat King Cole, cuyo recuerdo se haría patente en más ocasiones. Ocurrió en Smile y, claro, en el Unforgettable interpretado a dúo virtual entre padre e hija. Un episodio predecible e incluso anhelado por algunos, cuya emotividad no puede ponerse en duda, aunque sí el acierto de quien concibió el videográfico invento, que incluye una suerte de pase de diapositivas de su felicidad doméstica.

A pesar de que su trabajo no alcance las cotas de lo extraordinario, la Natalie Cole que vimos se mueve con incuestionable solvencia y comodidad. Más allá del recuerdo paterno, destacó su ejecución del tema de Sergio Mendes Somewhere in the hills, así como en el viaje a su repertorio de los años setenta mediante This will be (an everlasting love), vitaminada canción con la que se despidió antes del encore, dejando cierto aire de euforia en el ambiente. De vuelta al escenario, la dama tuvo además el buen criterio de poner término a la tanda de bises cantando con especial entrega el tema de Neil Young Old man.

Publicado en La Vanguardia (19 / VII / 2010)

Dicción y contradicción

2010-07-19T18:55:00.004+02:00

Cecil Taylor & Amiri Baraka
Cafè Lebab (16 / VII / 2010)

Tras cuarenta años de espera (que ya son años), dos leyendas vivas de la cultura afroamericana como el pianista Cecil Taylor y el poeta Amiri Baraka volvían a encontrarse en un escenario. Los hados quisieron que sucediera en Barcelona. Su espectáculo conjunto, Diction and contradiction, ocupó el cartel del Cafè Lebab, un delicioso espacio al aire libre situado a las puertas de Can Ricart, la antigua fábrica textil que albergará la sede de Liguamón-Casa de les Llengües a partir del 2013, cuando el proyecto de Benedetta Tagliabue para el mencionado edificio sea ya una realidad.

El primero en pisar la tarima fue Amiri Baraka, nacido en 1934, que a las credenciales de poeta suma las de ensayista musical y activista político. Sutilmente apoyado por el percusionista Miguel Orea, descorchó la noche con sus anglulosos poemas. Combativos manifiestos como Somebody blew up America, basado en los hechos acaecidos el 11 de septiembre del 2001 en Nueva York. Somebody..., por cierto, ha sido causa de serias controversias políticas en el país, por el radical punto de vista sobre la cuestión que defiende Baraka.

Tras el poeta, ocupó el escenario Cecil Taylor, pionero del free jazz, que a sus 81 años lucía pantalón corto, cinturón punkorro y calzado de colores psicodélicos. Sentado al piano, Taylor desgranó una hora de música servida en tres tacadas: un vuelo impredecible y sugerente, con sus miradas al blues, y de corte más lírico que en ocasiones anteriores. A renglón seguido -y a menudo sin molestarse en usar el micrófono-, recitó un puñado de poemas de su autoría. Cecil Taylor escribe poesía desde hace largos años -aunque ello no tenga apenas reflejo editorial- y, naturalmente, sus versos resultan tan libres y abracadabrantes como su música.

La reunión efectiva entre Taylor y Amiri Baraka ocupó el tramo final de la velada, sustentado en los "haikús afroamericanos" que este último iba leyendo con tono ora bienhumorado, ora sardónico. Reinando en un lateral del escenario, Cecil Taylor repuntaba las palabras de su amigo pellizcando las cuerdas del piano, fabricando hilarantes onomatopeyas o improvisando misteriosos cantos chamánicos. Una noche felizmente insólita.

Publicado en La Vanguardia (18 / VII / 2009)

Reencuentro

2010-07-16T18:46:00.004+02:00

Morcheeba
Sala Apolo (13 / VII / 2010)

Tras siete años separada del grupo, la cantante Skye Edwards ha vuelto a Morcheeba. El retorno, y la esperanza que ello supone para sus seguidores, justifica al menos en gran parte el sold out que les saludó en Apolo. El concierto estaba enmarcado en la gira de presentación de su nuevo álbum Blood like lemonade, a la que, por cierto, Paul Godfrey ha decidido no sumarse por ahora...

Fue una noche de reencuentro y buenas vibraciones, en especial gracias a viejas canciones como The sea o Rome wasn't built in a day, servida en los bises, con el escenario invadido. Aun así, no cayeron en saco roto las muestras de su nuevo y nada desdeñable disco de refundación, en especial Crimson. Aunque desprovistos del aura vanguardista que un día se les atribuyó, Morcheeba factura un pop de indudable buen gusto, al que no son ajenas ni las miradas al blues y al soul, ni los ensayos de corte psicodélico. Hay alma en los temas, sutilidad y gran conexión con la audiencia.

Publicado en La Vanguardia (15 / VII / 2010)

Nadie ve como nosotros

2010-07-15T17:54:00.003+02:00

En la abultada agenda veraniega de conciertos hallamos este año a Patti Smith, que a sus 63 años tiene comprometidas seis fechas en diversos puntos del Estado. Nueva y feliz oportunidad de habérselas con las canciones de una artista cuyo alcance crece por encima de la etiqueta de "madrina del punk". Después de Bob Dylan, Smith se cuenta entre las figuras que mejor han vislumbrado el común denominador entre la poesía y el rock. Podemos estar satisfechos de contar aún con esta influyente voz que, por cierto, estuvimos a punto de perder.

Entre 1980 y 1995 Patti Smith estuvo sumergida en un clamoroso silencio discográfico. En ese periodo alumbró un solo disco (1988), además de dos hijos, fruto de su matrimonio con Fred "Sonic" Smith, exguitarrista del grupo MC5. Decidió cambiar sus prioridades, olvidándose de los escenarios y abrazando una vida bastante más convencional: una existencia reposada en la que, según sus propias palabras, "de día hacía la colada y cambiaba pañales, de noche escribía".

Así que cuando Patti Smith decidió grabar de nuevo en 1996, sus seguidores sintieron una gran alegría, que contrastaba con las razones que impulsaron el regreso de la cantautora, resuelta a conjurar mediante la música el dolor que sentía por la desaparición de algunos de sus seres más queridos. Muertes próximas en el tiempo, como la de su marido (1994), pero también más distantes en el calendario, como el fallecimiento en 1989 de Robert Mapplethorpe, el fotógrafo provocador que tantos años después aún incomoda a mojigatos. Así lo han demostrado hace pocas semanas los responsables de la red social Facebook al censurar una de las obras de Mapplethorpe por "inapropiada y excesivamente explícita".

Robert Mapplethorpe es una figura determinante en el recorrido vital y artístico de Patti Smith. A caballo entre los sesenta y los setenta, ambos compartieron vida y aspiraciones en Nueva York. Tan intensa relación centra el argumento de Éramos unos niños, el libro de memorias de la poeta laureada del rock que acaba de editar Lumen. Con esta obra, Smith cumple la promesa que le hizo al fotógrafo antes de morir, sintetizando en algo menos de 300 páginas el espíritu y la letra del periodo 1967-1978.

Patti Smith llegó a la ciudad con apenas 20 años, llevando en su modesto equipaje un ejemplar (robado) de las Iluminaciones de Rimbaud. Empleada en una librería, se topó con Mapplethorpe por casualidad. Ambos se reconocieron enseguida como seres complementarios: "Yo era una niña mala que intentaba ser buena, y él un niño bueno que intentaba ser malo".

Éramos unos niños es la crónica de formación de dos jovenzuelos aún inocentes, dispuestos a abrirse camino en las artes, aunque sin saber demasiado cómo o haciendo qué. Ella escribía y dibujaba sin considerar la posibilidad de convertirse en una estrella del rock, él hacía collage y alguna escultura. No había mucho dinero para materiales -a veces ni para comida-, pero afrontaban el envite con la firme convicción del triunfo final. Patti Smith destaca el mantra que Robert Mapplethorpe usaba en los momentos de zozobra: "Nadie ve como nosotros, Patti. Nadie ve como nosotros".

La pareja convivió durante años, con niveles de intimidad variables, debido a la homosexualidad de Mapplethorpe, circunstancia que inicialmente Patti Smith no encajó muy bien, víctima de perjuicios que reconoce con valentía. Pero su amor iba más allá de lo carnal, sustentándose en las complicidades que se establecen entre las almas gemelas, aunque no siamesas, ya que Smith también refleja lo que les separaba: "Yo no sentía por Warhol lo mismo que Robert. Su obra reflejaba una cultura que yo quería evitar".

El núcleo duro de Éramos unos niños se halla en el relato de la temporada que la pareja pasó en el Hotel Chelsea, cuyo ambiente les proporcionó "una educación excepcional". No cabía imaginar mejor universidad que aquel lugar, donde ambos se orientaron hacia las disciplinas artísticas que les darían fama, codeándose con una increíble nómina de huéspedes que iba de Janis Joplin hasta Allen Ginsberg (que al principio abordó a la andrógina Patti creyendo que era un chico), o Gregory Corso, que le recomendaba lecturas.

Es delicioso asistir a las jugosas escenas que tuvieron lugar en el Chelsea y en el resto de locales que configuraban el mundo de Robert y Patti, que un día pondrían fin a su convivencia de modo cordial, para consagrase a nuevos amores y sus respectivas carreras. Un cuento maravilloso, aunque no siempre feliz, puesto que la narradora se encarga de no mitificar más de los debido aquellos inciertos días, acordándose de los personajes secundarios -artistas en ciernes como lo eran ellos- que, en algunos casos, ni siquiera lograron seguir con vida. "No siento ninguna necesidad de justificarme por ser una de las pocas supervivientes. Había preferido verlos triunfar a todos, que alcanzaran el éxito. Al final fui yo quien tenía uno de los caballos ganadores". Pues sí.

Publicado en Cultura/s (14 / VII / 2010)

Revival a toda máquina

2010-07-12T17:29:00.001+02:00

The Beach Boys
Festival Jardins de Cap Roig, Calella de Palafrugell (9 / VII / 2010)

El próximo año se cumplirán cincuenta de la fundación de los Beach Boys, una de esas bandas que contribuyeron a la definición de la música pop tal como todavía la entendemos. Los Beach Boys divulgaron el imaginario de una California perpetuamente juvenil, con sus surfistas, coches guapos y amoríos, creando un sonido personalísimo gracias a sus distintivas armonías vocales. Ni los numerosos cambios de formación que ha sufrido la banda a lo largo del tiempo, ni el resto de serias vicisitudes que se han vivido en su seno, han eclipsado la reputación del grupo, que vendió todo el pescado a su paso por Cap Roig.

En la nómina de los Beach Boys del 2010 sólo quedan un par de históricos: el vocalista Mik Love (cofundador del grupo), y el teclista Bruce Johnston, que se unió al combo en 1965. Les secundan un puñado de músicos contratados de innegable competencia, ideales para tapar huecos y cubrir flancos, ya que a veces la edad no perdona. Al grupo le bastaron menos de dos horas para interpretar la friolera de 38 temas, encadenando las canciones con el piloto automático bien engrasado, aunque sin complicarse la vida en ningún momento.

Con puntos álgidos como God only knows, I get around, Barbara Ann o Surfin' USA, los Beach Boys desgranaron una sesión de revival tan bien acogida por parte de la audiencia, como previsible. Mike Love presumía hace unos días en la prensa de sonar exactamente igual (el mismo tono, los mismos arreglos) que en los 60, lo que tiene mérito, aunque este sea relativo. O, al menos, sería relativo en el improbable caso de que estos antiguos chicos de la playa aspiraran a otra cosa que no fuera entretener.

Publicado en La Vanguardia (11 / VII / 2010)

Algún más allá

2010-07-11T16:42:00.006+02:00

Alim Qasimov & Ensemble
Festival de Músiques Religioses de Girona (7/ VI/ 2010)

El Festival de Músiques Religioses de Girona contrató al vocalista de Azerbaiyán Alim Qasimov, figura de enorme reputación en su país, y artista de gran proyección internacional, ya sea por su trabajo individual, ya sea por las colaboraciones que ha establecido con gentes de diversos ámbitos (jazz, pop, música de vanguardia...). Qasimov es el máximo divulgador del mugham, un modo de canción tradicional construido a partir de la poesía clásica, y en el que se entrevé la rica mezcolanza propia del país azerí, donde coexisten elementos de la cultura turca y de la persa. En activo desde los días de la ocupación soviética, es reconocido asimismo como uno de los renovadores del mugham, al que ha incorporado nuevos instrumentos.

Alim Qasimov compareció junto a su inspirado Ensemble, destacando en el grupo el trabajo su hija, la cantante Fargana Qasimova, con la que ha grabado varios discos. Mención especial también para los subyugantes sonidos nacidos de la viola kamanche, que manejaba el maestro Rauf Islamov.

El concierto, inicialmente programado en la escalinata de la catedral, se trasladó al claustro de la misma, lo que propiciaba la distancia corta. Esta proximidad con los artistas, permitió degustar con todos los matices los envites vocales de Alim Qasimov, así como los diálogos a modo de call and response establecidos con Fargana, coprotagonista de la sesión.

Por encima de la barrera idiomática, uno podía, si no comprender, al menos compartir el espíritu de la propuesta: encandilarse con su declamación y juegos melódicos, emocionarse con la gran expresividad y el dramatismo de unos cantos que, a veces lamento, a veces exaltación, parecían elevarse en dirección a algún más allá.

Publicado en La Vanguardia (10 / VII / 2010)

Un estilo que no perece

2010-07-03T16:30:00.004+02:00

Chris Isaak
L´Auditori (30 / VI / 2010)

Guitarra en mano, y vistiendo un imposible traje azul cielo con lentejuelas, Chris Isaak pasó el miércoles por L´Auditori. El músico de 54 primaveras, que el año pasado rompió un largo silencio discográfico con el álbum Mr. Lucky, protagonizó un concierto irreprochable, brillando especialmente cuando atacaba los tiempos más reposados, coordenadas idóneas para dar rienda suelta a todo el embrujo contenido en su voz. Este es un vocalista grande, cuyo trabajo apela a otros tiempos que, quizá, fueron mejores que los nuestros. Cerrando los ojos, y sin forzarse demasiado, más de dos veces uno puede convencerse de estar ante el mejor Elvis Presley, o quizá ante Roy Orbison. Pero en este mágico mecanismo no median la imitación o el cliché, sino el dominio de las claves de lo imperecedero que debemos reconocerle al intérprete. Fueron variadas, e intensas, las cumbres que coronó Isaak esa noche: Cheater´s town, Speak of the devil y Blue Hotel, tema interpretado en la tanda de bises, con un nuevo atuendo aún más sorprendente que el anterior.

Publicado en La Vanguardia (2 / VII / 2010)

No está escrito

2010-06-27T18:05:00.010+02:00

Bob Dylan
Poble Espanyol (25 / VI / 2010)

En 1961 un desconocido folk singer de Minnesota que se hacía llamar Bob Dylan batía sus primeras batallas en los clubs del Greenwich Village neoyorquino. El joven cantautor no tardó en llamar la atención de un crítico de The New York Times, pero por aquel entonces nadie podía augurar el alcance e influencia de su obra posterior: una longeva trayectoria musical, poética y a veces espiritual, cuyo último capítulo aún no está escrito, como quedó probado anteanoche en el escenario de Montjuïc.

Bob Dylan saldó su último encuentro con el público barcelonés facturando un concierto que se puede señalar como soberbio sin temor a exagerar. Una sesión en la que dio mucha cancha a su producción más clásica, aunque sin hacer concesiones a la nostalgia, ya que el bardo mantiene intacta su capacidad para revisitarse una y otra vez, leyendo las canciones de modo insospechado, sugerente, nuevo.

Dylan y los cinco escuderos que le acompañaban en el escenario caminaron a menudo por las sendas del rhythm and blues y el rock and roll primigenio, desgranando un programa de 17 temas. La gala culminó con una cruda versión de Blowin'in the wind en la que se apreciaban bellas pinceladas de spoken-word. En el ínterin, rescates esperables (Highway 61 Revisited) y otros quizá no tan esperables, como Señor (Tales of yankee power).

Sólo hubo una pieza perteneciente a su último álbum, del 2009, la briosa canción Jolene, servida en la tanda de bises. Por alguna razón, Bob Dylan prefirió dispensar más atención a muestras anteriores de su obra del XXI, que por cierto es notable e inspirada. Fue así como un tema aparecido en el 2006, el jazzeado Spirit on the water, destacó como uno de los mejor acogidos de la noche.

Refugiado bajo un rígido sombrero, a sus 69 Dylan sigue enfrascado en el bien llamado Never ending tour. Rugosa la voz, maneja teclado, guitarra y armónica, manteniendo el áurea de misterio que, sin duda, forma parte de su leyenda. Una leyenda viva y efectiva. ¡Albricias!

Publicado en La Vanguardia (26 / VI / 2010)

Olas y galletas

2010-06-20T17:55:00.002+02:00

Cabo San Roque
L´Auditori (18/ VI / 2010)

La orquesta mecánica de Cabo San Roque ha crecido significativamente en cuestión de meses. El grupo presentó este singular invento (una línea de producción de una fábrica galletera reconvertida en imposible herramienta musical), el pasado octubre en Salt, y desde entonces no ha dejando de trabajar con el objetivo de mejorar el simpático cachivache, que aúna en su mecanismo instrumentos de percusión, cuerda y viento. Nuevas prestaciones técnicas y, lo que es más importante para el espectador, más posibilidades musicales, engrandecen el discurso artístico de Cabo San Roque. Con su evolucionado invento, la propuesta ha ganado en fluidez, dinamismo y capacidad de conexión con los aficionados, que no quisieron perderse su concierto de ayer en L´Auditori de Barcelona, convocado a la inusual hora de las ocho de la tarde. Discurso musical gamberrete y naïf a un tiempo, con su nervio cinematográfico y de alto poder evocador.

Publicado en La Vanguardia (19/ VI / 2010)

Fue mejor

2010-06-16T17:36:00.006+02:00

Jaime Urrutia
Bikini (12 / VI / 2010)

No había demasiada gente en el concierto que Jaime Urrutia ofreció el último sábado por la noche en la sala Bikini, aunque sí puede decirse que la edad de los espectadores cotizaba al alza. Quien fue voz y estampa del grupo Gabinete Caligari vino a Barcelona para presentar su último disco, Lo que no está escrito, aparecido este año. Se trata del tercer álbum de estudio que publica desde que empezó su andadura a solas en 2002.

El músico madrileño defendió sus nuevas canciones junto a Los Corsarios, banda integrada por guitarra, bajo, batería, teclado y saxo. Bienhumorado y luciendo levita, Urrutia combinó su flamante material con excursiones al pasado, incluyendo variadas repescas del repertorio de Gabinete.

Próximo a celebrar su 52 aniversario, Jaime Urrutia mantiene su garra escénica, la rotundidad de su voz, y ese charm torero que a lo mejor ya no es moderno, aunque sigue teniendo su aquel. Pero las cosas lucen algo peor en el capítulo creativo. En este su último disco, hay temas de indudable interés, como Tratando, en contraste con otras canciones de menor encanto. Sirva de ejemplo la pieza que da título a Lo que no está escrito, un número facilón, casi paródico, impropio de un artista de tanto bagaje y bien ganado prestigio.

En el concierto de Jaime Urrutia se apreciaron el oficio, las horas de vuelo, incluso la meticulosidad. Lástima que a nuestro artista no le asista como antes la chispa de la inspiración, de manera que más de dos veces la noche resultó insulsa. Aun así, los maravillosos rescates de Gabinete Caligari (Suite nupcial, Tócala, Uli, El calor del amor en un bar) salvaron muebles y elevaron temperaturas. Al menos en este caso, y de momento, todo tiempo pasado fue mejor...

Publicado en La Vanguardia (15 / VI / 2010)

Buenas prácticas

2010-06-14T17:12:00.001+02:00

Roger Mas
Palau de la Música Catalana (11/ VI/ 2010)

Roger Mas ofreció el viernes toda una lección de buenas prácticas poéticas y musicales en el Festival de Guitarra. Tan felices hechos ocurrieron en el Palau de la Música, sala en la que había actuado con anterioridad, aunque nunca como cabeza de cartel. Circunstancias excepcionales, que el músico quiso subrayar planteando un concierto igualmente excepcional. El de Solsona fue más allá de la estricta presentación de su último disco, A la casa d´enlloc, proponiendo una sesión dividida en dos partes, la primera de ellas consagrada a su anterior trabajo, Les cançons tel·lúriques (2008).

Reforzado el grupo base mediante cuarteto de cuerda y un par de fiscornios, el cantautor deslumbró de nuevo con sus Tel·lúriques, un ambicioso homenaje a la tradición, edificado a caballo de la poesía del último Verdaguer y la relectura de bellas melodías tradicionales. Una mirada ancestral y rabiosamente moderna, donde la música contemporánea, el folklore y una cierta psicodelia nos invitan, si nos dejamos, a trascender más allá de la cárcel corporal. En esta primera mitad, versionó también a Fabrizio de Andrè, y rescató la turbadora D´un cop sec al cony (1999).

El segundo round se centraba en A la casa d´enlloc, otra vez con particularidad añadida. Roger Mas interpretó sus nuevas canciones siguiendo exactamente el mismo orden del disco, con el fin de conservar la lógica armónica plasmada en tal disposición. Historias que, por lo general, abundan en el lado menos apacible de la vida, servidas con cortantes guitarras eléctricas que refuerzan el afilado tono poético. En este tramo, se sumó al grupo base el guitarrista Amadeu Casas. Subidones de aúpa (Foc a l´obaga!), paseos musicales en diligencia (El calavera), o la increíble beguine sardana de frontera que es El dolor de la bellesa, figuran entre lo más brillante de la última producción de Roger Mas. Un álbum al que que no sólo por el número (es el séptimo), cabe saludar con los mejores augurios.

Publicado en La Vanguardia (13/ VI/ 2010)

Entusiastas

2010-06-12T16:57:00.002+02:00

Jorge Drexler
L´Auditori (9 / VI / 2010)

Gran concierto de Jorge Drexler: generoso (unas dos horas y media), con invitados (Leonor Watling, La Candombera), y un guión que, con sus variadas disposiciones instrumentales, potenciaba los contrastes. Presentaba su último disco, Amar la trama, y el público respondió con entusiasmo, ya que la gran demanda de entradas forzó una segunda fecha. Drexler lo agradeció emocionado, recordando también sus primeras visitas a la ciudad, cuando se ganó unas pesetas tocando en la calle, y desembolsó otras tantas para ver a Pat Metheny y Miles Davis. Compareció junto a otros siete músicos, entre ellos un trío de viento que, junto a la marimba, dio mucho juego a la sesión. Por lo demás, sus nuevas canciones son tan irreprochables, que uno está dispuesto a no dar importancia al hecho de que haya reciclado Una canción me trajo hasta aquí, que en su día compuso para los insoslayables Ana Belén y Víctor Manuel. Y es que ese es un gran tema, caramba, como también La trama y el desenlace, La nieve en la bola de nieve o Tres mil millones de latidos. Hace tiempo que la carrera del cantautor tomó velocidad de crucero, y así sigue con las coordenadas poéticas y filosóficas habituales.

Publicado en La Vanguardia (11 / VI / 2010)

Excelencia

2010-06-10T16:40:00.003+02:00

Joe Henry
Sala Apolo (4 / VI / 2010)

Productor de renombre (Solomon Burke, Mose Allison, Salif Keita y un largo etcétera), cuñado de Madonna, el estadounidense Joe Henry es asimismo propietario de una remarcable carrera discográfica, que hasta el momento suma once títulos. Una obra de probada excelencia musical y prestigio creciente, aunque por el momento estas cualidades no se han traducido en grandes cotas de popularidad. Joe Henry es una voz para las amplias minorías, para aficionados como los que ocuparon las sillas desplegadas en la pista de la sala Apolo, quienes siguieron con un estado de ánimo muy próximo a la devoción la presentación de su último álbum, Blood from stars. No había para menos, considerando el magnetismo de un intérprete que, pese a su sobria gestualidad, transmite hondas emociones.

Joe Henry cuenta amores y otros desgarros, incluídos los sociopolíticos, apoyándose en un discurso musical de amplias miras: un terreno personal y heterodoxo, situado en la encrucijada de las mejores tradiciones americanas, que la noche de autos tomó bastantes sendas por blues-folk y jazz. Una fórmula alejada de lugares comunes, trabada con precisión y buen gusto, que alcanzó los mejores guarismos con The man I keep hid, Trampoline o la más rockera Channel, donde contó con la participación del laudista Javier Mas.

Publicado en La Vanguardia (9 / VI / 2010)

Roger Mas: "El desencanto es inevitable"

2010-06-08T12:23:00.005+02:00

Domingo. Roger Mas se ha levantado en Solsona, pero hoy dormirá en el piso que tiene en el Raval de Barcelona. Es cerca de medianoche, y la voz del cantautor denota que está cansado. Hasta hace un momento, ha estado ensayando con los músicos que le acompañarán en el escenario del Palau de la Música Catalana, donde el próximo 11 de junio presentará su séptimo álbum, A la Casa d'Enlloc.

— ¿Cómo te planteas el concierto del viernes?

— Estará dividido en dos partes. En la primera, que durará unos cincuenta minutos, haremos una versión un poco comprimida de mi anterior disco, Les Cançons Tel·lúriques (2008). Me hace mucha ilusión llevar las Tel·lúriques al Palau de la Música, creo que es un escenario muy adecuado para hacer este homenaje a la tradición, y por otra parte no supone ninguna dificultad especial, porque con todos los músicos (con el cuarteto de cuerda Brossa, con los fiscornos...) tenemos muy bien medido el repertorio. En la segunda parte cantaré todas las canciones de A la Casa d'Enlloc, siguiendo el mismo orden del disco.

— ¿Por qué siguiendo el mismo orden?

— Para mostrar la lógica interna que, a nivel musical, tiene el disco, sobre todo en cuanto a las armonías. Para ponerte un ejemplo, el tema El món per un forat acaba con una nota larga y sostenida que, precisamente, es la nota dominante en el tema siguiente, El ganivet. Es evidente que el directo nunca debe sonar como el disco, pero creo que conservará la misma esencia ... y además, vendrá el guitarrista Amadeu Casas, lo que me hace mucha ilusión.

— Les Cançons Tel·lúriques fue un disco muy especial. Debía ser todo un compromiso plantearse el siguiente ...

— Sí, claro. Es que en las Tel·lúriques había un letrista muy bueno, Jacint Verdaguer, y unos compositores (los que hicieron las músicas tradicionales) que han pasado a la historia, ja, ja! Y yo no tocaba mucho la guitarra, que era una suerte, porque los cantautores no sabemos tocar la guitarra. Hacer dos cosas bien es muy difícil ...

— Hablando de este instrumento, el disco hay mucha guitarra eléctrica, a veces bastante setentera ...

— Es que, en parte, ha sido un disco donde pretendía ir a buscar la música de mi adolescencia, y también el espíritu de mis primeros trabajos. A veces tengo envidia de mis primeros discos, donde me atrevía a hacer cosas que después fui dejando. He querido perder la vergüenza, y no reprimirme si me salían acordes repetidos y melodías trilladas ... he intentado sorprenderme a mí mismo, sin preocuparme por si lo que me salía parecía sencillo o fácil.

— En el tema Tanco els ulls / Obro els ulls, dices que estás harto de los urbanitas y del orgullo payés, de los progres y de los rancios ... Te has vuelto punk o algo por el estilo?

— Je, Je ... Será mi misantropía latente. Siempre he admirado canciones como Bandiera bianca, donde Franco Battiato va y se caga en todo. Eso era algo que, hasta ahora, yo no había hecho nunca. Y el caso es que maldigo cosas que, en otros momentos, he defendido. Supongo que el desencanto es inevitable. Crees en cosas, pero cada vez cuesta más, y cuando una de estas cosas en las que crees termina por caer, lo vives mal; quedas como huérfano, y reacciones. Un día hablaba de ello con Sisa, y definió esta reacción como "la rabia del converso"...

— En otras canciones del disco hay asesinato, robo, suicidio...

— Yo intentaba hacer un disco alegre, pero al final ha salido lo que ha salido. Salvo en un par de canciones, he acabado volviendo a la oscuridad. Debo haber leído demasiado a Rimbaud y a Baudelaire, debo haber escuchado demasiado a Lou Reed.... Lo cierto es que cuando estoy haciendo canciones, siempre que me salen cosas oscuras me parecen más interesantes. Cuando haces una canción, hay tres impulsos básicos: primero el aburrimiento, después la búsqueda de la belleza y, como elemento de más peso, el hecho de enfrentarte a tus demonios. La alegría me cuesta más. No vivirla, pero sí expresarla en música...

— Hace diez años justos que eres músico profesional. Llegado a este punto, ¿qué balance haces?

— Siempre vas aprendiendo cosas, pero hay paredes insalvables, Una de ellas es el hecho de pertenecer a una cultura pequeña, lo que conlleva dificultades a todos los niveles. Cuando la gente es joven y, aparte de vocación, tiene tiempo para perder, todo va bien: la ilusión suple las carencias. Pero a medida que pasa el tiempo, estas dificultades pesan más. Cuando eres joven te falta oficio, y cuando has adquirido oficio ves que el mercado no tiene suficientes recompensas. Para hacer este trabajo tienes que saber encontrar el lado positivo de las cosas, pero a veces ser positivo es agotador ... y no sé por qué me quejo tanto: me toca los huevos ser el típico cantautor llorón, ja, ja !

A la Casa d'Enlloc, de Roger Mas, en iTunes

El gran paso

2010-06-05T16:00:00.006+02:00

Mishima
Sala Apolo (2 / VI / 2010)

Un bonito sold out saludó a los chicos de Mishima a su paso por el Festival de Guitarra. La banda barcelonesa presentaba su quinto disco, Ordre i aventura, impecable trabajo que ha calado hondo entre los aficionados. La buena respuesta de público hizo mella a su vez en el líder del grupo, David Carabén, quien no quiso ni pudo esconder su alegría: "Nos habían dicho que se iban vendiendo entradas, pero esto... ¡para nosotros esto es la rehostia!", dijo. Es perfectamente comprensible tanta emoción: tras una década de trayectoria, Mishima se encuentra en un momento especialmente dulce; acaso a las puertas de dar un gran paso, de conseguir una proyección que los sitúe más allá del estimulante, pero aún minoritario, circuito independiente.

La banda se centró de modo especial en su último disco y el precedente (Set tota la vida, 2007), exponiendo un temario que, en el apartado lírico, transmite con brillantez el mapa vital que acompaña a la treintena, esa época a caballo entre la juventud y la madurez efectiva, donde los recuerdos empiezan a tomar su importancia, aunque todo esté por hacer. En el programa destacaron títulos de nueva escritura como Tot torna a començar y Com abans, junto a rescates de tiempos recientes (Qui n´ha begut) y tan lejanos como su primer disco anglófono.

En la sala Apolo se estableció una férrea conexión entre el escenario y la pista, con la gente palmeando, cantando y soltando hurras a la salud de canciones como L´olor de la nit, otro de los puntos álgidos de una sesión que fluyó con mordiente musical. Hubo esa noche frecuentes detalles de calidad, entre ellos el momento que escribieron David Carabén y el Col·lectiu Brossa, cuarteto de cuerda contemporáneo que aportó bellos colores a L´ombra feixuga y demás temas.

Pero no se agotaba aquí la lista de invitados, que reservaba un par de sorpresas más. La primera y más notoria vino de la mano de los famosos Manel, a quienes Mishima cedieron por completo el escenario para que versionaran a sus anchas Cert, clar i breu. Ya en el tramo final del concierto, se sumaron a Mishima Óscar d'Aniello y Dani Acedo, los dos músicos que participaron en la grabación de Ordre i aventura, aunque no en esta gira de presentación; junto a ellos, el productor del disco, Paco Loco, expresamente venido desde El Puerto de Santa María. La ocasión lo demandaba.

Publicado en La Vanguardia (4 / VI / 2010)

Las canciones sin red de Jorge Drexler

2010-06-02T16:58:00.002+02:00

¿Qué es una vida? Con mucha suerte, tres mil millones de latidos. El cálculo lo ha hecho Jorge Drexler en la canción que abre su nuevo disco, Amar la Trama, que presentará los próximos días 9 y 10 de junio en Barcelona. Con este álbum, la carrera de Drexler experimenta un giro importante, ya que el cantautor deja completamente de lado los utensilios electrónicos que le acompañaban desde los tiempos de Frontera (1999), e incorpora a su sonido una sección de viento.

Jorge Drexler ha buscado las virtudes de la espontaneidad, grabando Amar la Trama ante un pequeño grupo de espectadores que le acompañaron a él ya sus músicos en el estudio. El cantautor ha explicado que, procediendo de esta forma, "he perdido cosas que no me parecen muy importantes: la precisión en la grabación de las voces, cierta red de seguridad que te da el hecho de grabar por partes", aunque también se ha desprendido de "la sensación de diferido. Es un disco que está grabado en el presente, no en diferido".

Nacido en 1964, este "chico judío de clase media", como se ha definido alguna vez, comenzó su trayectoria musical en Montevideo, grabando dos discos en 1992 y 1994. Hasta que un día tuvo ocasión de conocer a Joaquín Sabina, quien tras valorar su trabajo, le animó a instalarse en Madrid. Así que Jorge Drexler empezó a abrirse camino en la antigua metrópoli, actuando en locales como Libertad 8, donde también se dieron a conocer gente como Pedro Guerra, Javier Álvarez o Ismael Serrano. La trayectoria posterior, avala a Drexler como la voz más brillante de esa generación de cantautores.

El proceso que le llevó de Montevideo en Madrid tiene su reflejo en Una canción me trajo hasta aquí, tema de su autoría que grabaron hace cinco años los inevitables Ana Belén y Victor Manuel, y que Jorge Drexler ha reciclado con honores para su nuevo disco, ya que es el primer single del mismo.

En los doce temas de Amar la Trama, hallamos cuestiones recurrentes en la obra de Drexler, desde las reflexiones metafísicas en torno al hecho de vivir (La trama y el desenlace), hasta las consideraciones sobre el eterno tema de la identidad, materia que trata con claridad —y quizás con cierta acracia— en Tres mil millones de latidos, donde canta: "hay gente que es de un lugar / no es mi caso / yo estoy aquí / yo estoy aquí de paso".

El nuevo álbum de Jorge Drexler tiene un agradable punch jazzístico, que se hace evidente de manera especial a la única versión que contiene el disco: la canción I don't worry about a thing, de Mose Allison. En este tema, el cantautor ha contado con la participación de Ben Sidran, así como de su hijo, Leo Sidran. Es la magnífica vuelta de la colaboración que el propio Drexler hizo en su día en el álbum de Ben Sidran Dylan Different. Sin abandonar el capítulo de las colaboraciones, es forzoso mencionar también la presencia en el disco de la actriz, cantante y actual compañera del cantautor, Leonor Watling, en el tema Toque de queda, que ambos interpretan a dúo.

Amar la Trama, de Jorge Drexler, en iTunes y en FNAC

Liándola parda

2010-05-30T19:51:00.006+02:00

Jamie Cullum
Sant Jordi Club (27 / V / 2010)

Jamie Cullum actuó ante más de dos mil personas en Barcelona, presentando su disco The pursuit. Los organizadores habían llenado la cancha con butacas, dejando un espacio entre las primeras filas y el escenario. A petición del artista, ese foso se llenó de espectadores que, lógicamente, impedían ver la función a quienes estaban detrás.

Este incidente, y el mal sonido inicial, causaron cierto caos en los primeros compases del concierto, aunque con el discurrir de los minutos la situación se encarriló. Cosas del imprevisible Cullum, que la lía parda siempre que puede, y es también una de las principales bestias escénicas de nuestro tiempo, con un especial amor por subirse al piano.

Cullum y su banda actuaron por espacio de dos horas ante un público entregado al carisma de un músico que se mueve en un terreno impreciso, a caballo del jazz y el pop, lo que indigna a algunos puristas. Una senda que nos llevó por los más dispares paisajes, incluyendo un sabroso capítulo de covers, que iba de Rihanna a Ray Charles, pasando por el repertorio de Sinatra, Jimi Hendrix o Radiohead. Entre lo uno y lo otro, Cullum mostró grandes prestaciones vocales, con quiebro y matiz en la distancia corta, guerrilla sincopada en los tiempos rápidos, y juegos varios en la fabricación de loops.

Publicado en La Vanguardia (29 / V / 2010)

50 años de carnaval

2010-05-23T19:38:00.007+02:00

Ariel Rot
Bikini (20 / V / 2010)

El pasado día 19 de abril, Ariel Rot cumplió 50 años, aunque nadie lo diría teniendo en cuenta su aspecto: apenas unos tonos grises en el pelo delatan el medio siglo de vida de un rockero de larga trayectoria, que batió sus primeras batallas en los convulsos años 70, y que a estas alturas del siglo XXI se mantiene en envidiable forma física y musical. Rot actuó en Barcelona presentando su más reciente álbum, Sólo Rot, al que dispensó atención mediante canciones como Vida equivocada, Papi dame la mano o Nena me enseñaste a amar. Entre lo de ahora y lo de antes, cosa de 20 temas en los que se pudo apreciar una sana diversidad de registros.

Ariel Rot bascula con igual autoridad por un abanico de territorios en el que hay lugar para muestras de rock rollingstoniano, aunque también por sensacionales apalanques como Adiós carnaval, una de las mejores canciones que lleva consigo. Sin olvidar el siempre sugerente trote del rock latino, y una mirada omnipresente al blues, especialmente explícita esa noche cuando rindió un pequeño homenaje a Muddy Waters.

Rot se mantiene apegado a una manera de entender el rock muy reconocible y madurada. Una opción que probablemente explica algo que en Bikini se hizo evidente: no renueva público, ya que la audiencia que lo aplaudía no era precisamente juvenil. Aun así, la gran solvencia de su propuesta garantiza la fidelidad de unos espectadores que, a buen seguro, seguirán con él hasta que el cuerpo aguante.

Publicado en La Vanguardia (22 / V / 2010)

Carta blanca

2010-05-21T19:21:00.002+02:00

Fito Páez
L'Auditori (18 / V / 2010)

Teclado blanco, traje blanco, zapatos blancos, y mechones de pelo blanco en la melena y la barba: elegante Fito Páez en L´Auditori, donde presentó su último disco, Confiá, en el contexto del Cicle de Músiques Llatines. El argentino compareció junto a una poderosa banda de siete músicos, dispensando a la encantada (y ruidosa) audiencia un concierto asombrosamente comunicativo, catártico por momentos.

En tiempos inciertos, Fito Páez nos invita mediante algunas canciones de Confiá a curarnos las heridas, aunque lo hace sin bobería, afrontando las realidades al punto que en uno de los temas proclama: "Yo no creo en volver a empezar". Junto a piezas de este nuevo trabajo como Tiempo al tiempo, La nave espacial o London town, el de Rosario remachó la jugada con clásicos de su repertorio como la ejemplar Al lado del camino o Circo Beat.

Conduciéndose como un maestro de ceremonias, y modificando el contenido de algunas letras para dar color local a la noche, Fito Páez trazó una sesión impecable a fin de cuentas: versos ajustados y con su punto filosófico, maestría en los medios tiempos, y dominio de los arcanos más clásicos, marcan la senda de un artista que -en consonancia con su vestuario- tiene carta blanca.

Publicado en La Vanguardia (20 / V / 2010)

Enigma y belleza de Xavier Baró

2010-05-21T03:30:00.003+02:00

Año 2003. Los Estados Unidos han invadido Irak con la indignante complicidad de los gobiernos de España y Gran Bretaña, el chapapote sigue infectando las costas gallegas, y Xavier Baró se dispone a registrar un nuevo disco. En julio, el cantautor de Almacelles llega al Mas de Flors, cerca de Castellón, donde graba un álbum que, en consonancia con la oscuridad de aquellos días, llevará por título Cançons del Temps de Destrals: un trabajo excelente, de verso afilado, áspero y cálido a la vez, que debemos contar entre los mejores de la discografía catalana de nuestro siglo.

Mientras graba el álbum, Baró emprende la escritura del llamado Diari del Mas de Flors, un librito que finalmente ha visto la luz editado por La Lámpara. Episodios de la grabación del disco, poemas propios, citas ajenas, recuerdos y reflexiones, dibujan la hoja de ruta poética de este creador a menudo hermético, siempre profundo. "La música, la poesía —escribe Xavier Baró— deben servir para ayudar a avanzar, hacia el infinito o hacia la derrota, tanto da (...). Porqué la derrota no es sino el fin del ciclo que abre las puertas del enigma y de la belleza, todo en un solo cuerpo".

Nacido en 1954, Xavier Baró inicia su trayectoria musical en la primera mitad de los años setenta, influido por la herencia del Grup de Folk. Posteriormene da un giro estilístico radical, liderando la banda de rock Primavera Negra, que debuta en 1984 con el single Colonos de Marte. Llegados a los noventa, se presenta solo, facturando tres discos de corte más experimental cantados en castellano. A partir de 1998, Baró recupera el catalán como lengua de expresión, empezando un tercer episodio de su carrera, período que hasta este 2010 ha dado media docena de álbumes, a caballo entre el folk, la canción de autor y la psicodelia.

Xavier Baró inicia el proyecto de Cançons del Temps de Destrals tras el disco que consagró el año 2002 en la poesía de Arthur Rimbaud. Un momento de su vida en el que, según nos confía en el prólogo del libro, "yo salía de una peregrinación a través de la senda de la Gran Soledad"...

Es una delicia poder compartir el fuero interno del cantautor durante aquellos días del verano de 2003. Leer los diálogos entre Xavier Baró y un brujo imaginario —o no tan imaginario. Reflexionar con él alrededor de sabias palabras de Stravinsky o de Paracelso. Asistir, en definitiva, a un proceso musical profundamente arraigado en su memoria: "Mi abuela —dice— cantaba en una rondalla con sus hermanos. Guitarras, bandurrias, panderos y su voz clara como una madrugada fresca (... ) Yo busco ese sonido en cada canción ". Y quizás no es tan paradójico que esta búsqueda le lleve lejos: que le impulse a escuchar, en plena medianoche, a la gran cantante libanesa Fairuz, fascinado una vez más por la magia de la música árabe, que según escribe "es hija del desierto y los jardines perfumados, los contrastes, los pastores y los príncipes (...). Yo también soy un pastor que con el sonido de mi flauta, hecha a mano, llama a su rebaño ".

El Diari del Mas de Flors puede adquirse aquí y aquí
Los discos de Xavier Baró en iTunes i en FNAC

Unos y otros

2010-05-20T19:06:00.003+02:00

50+
Auditori 2 (16/ V/ 2010)

Un año después del cincuentenario de la nova cançó, tres ciudades catalanas (Sant Cugat, Granollers y Barcelona) han acogido el espectáculo 50+, de la Nova Cançó a les cançons més noves. Se trataba de establecer puentes entre generaciones, juntando a nuevos valores con algunos pioneros: veteranos que no en todos los casos pertenecieron realmente a la nova cançó. No estaban ni Serrat ni Raimon (declinaron por diversas razones), ni Pau Riba, que no fue invitado. Sí Jaume Sisa, haciendo equipo con Joan Garriga (La Troba Kung-Fú); Maria del Mar Bonet con Roger Mas; Pi de la Serra con Carles Sanjosé (Sanjosex); Marina Rossell con David Carabén (Mishima); Jaume Arnella con Carles Belda; Núria Feliu con Sílvia Pérez Cruz, y Joan Isaac con Jaume Pla (Mazoni).

Raül Fernández Refree asumió la dirección musical, resolviendo el encargo con buen gusto y matices. Desfilaron las parejas protagonistas, que interpretaban a dúo una canción de cada una de las partes. Espectáculos de estas características son, forzosamente, irregulares. Aun así, la sesión del domingo se saldó airosamente: fue breve, simpática, cálida y se vivieron momentos particularmente felices por mediación de los tándems Sisa / Garriga, / Sanjosex y, de modo muy especial, Bonet / Mas.

Publicado en La Vanguardia (19 / V / 2010)

Canciones y vida

2010-05-17T18:55:00.003+02:00

C60
Teatre Lliure (14 / V / 2010)

Espectáculo articulado en torno a un puñado de textos firmados por Kiko Amat, donde el escritor reflexiona sobre una docena de canciones que forman parte de una imaginaria cinta de casete. El actor Sergi Fäustino se encarga de leer los textos, acompañado de un cuarteto musical que ilustra las lecturas casi como en un programa de radio, y que al final de cada relato interpreta el tema correspondiente. Un paseo por una interesante lista de canciones, con punks y folkies conviviendo junto a figuras de la música negra, olvidadas estrellas fugaces y demás bestiario. Una selección muy personal, a través de la que Amat despliega erudición y emite opiniones sinceras, aunque algo taxativas a veces. Resultan sugerentes los episodios donde vincula las canciones a episodios de su trayectoria vital. Y es que canciones son amores, desamores y, al fin, crónica de vida.

Publicado en La Vanguardia (16 / V / 2010)

Jardín oscuro

2010-05-15T18:31:00.010+02:00

Rufus Wainwright
Gran Teatre del Liceu (11 / V / 2010)

Penumbra. A paso lento, Rufus Wainwright sale por un lateral del escenario, dirigiéndose al solitario piano situado en el otro extremo. Avanza vestido con una bata negra de larguísima cola, y con plumas igualmente negras bajándole por los hombros. Rufus ha pedido que nadie aplauda entre canción y canción durante la primera parte del concierto, consagrada a su último disco, All days are nights: Songs for Lulu. Controvertido álbum, por cierto, en el que ha agrupado canciones inéditas y trabajos procedentes de proyectos anteriores, desde sonetos de Shakespeare hasta una pieza de su ópera Prima Donna.

Rufus traslada a la audiencia a un particular jardín oscuro, de infinita tristeza casi siempre: el reciente fallecimiento de su madre, la cantante de folk Kate McGarrigle, planea en varias composiciones. Impactantes visuales -párpados negros abriéndose como crustáceos, una lágrima- aumentan el efecto dramático de un repertorio donde destacan Martha, The dream o la desolada Zebulon. Seguramente no está en su mejor día en cuanto a forma vocal, aunque por encima de ello brilla, por la amplitud de su registro, la capacidad de transmisión. También su técnica musical, los endiablados arpegios y las fugas minimalistas que usa para guarnecer su jardín. Exagerado sin duda, poco asequible para algunos, espléndido a la postre.

En la segunda parte, Rufus Wainwright se presenta con mallas de ballet, un chaleco algo torero y zapatos blancos. Comunicativo, hace bromas a costa de Wagner, de Verdi y, sobre todo, a costa de él mismo. Escribe casi un segundo concierto, desgranando entre otras Cigarettes & chocolate milk, Poses o Going to a town. Esta vez el personal aplaude a placer, quien lo desea aúlla, y toda controversia anterior parece olvidada.

Publicado en La Vanguardia (14 / V / 2010)

El cabaret apocalíptico de Cibelle

2010-05-13T21:53:00.002+02:00

El mundo como lo conocemos ha desaparecido. Donde antes había montañas, o campos, o ciudades, ahora sólo hay desolación: una masa de rocas que flotan en un mar tóxico. La lluvia ácida ha hecho mutar a los pájaros, convertidos en seres espectrales. Todo lo que había en el planeta se ha volatilizado. Todo? Nooo ... Queda en pie un solo edificio, un antiguo club de vacaciones donde se reúnen los humanos que han sobrevivido a la calamidad.

Este es el inquietante argumento que Cibelle expone en su tercer disco, Las Vênus Resort Palace Hotel, que presentará el próximo día 18 en Madrid, y el 19 en Barcelona. La cantante ofrece un nuevo trabajo conceptual, donde asume la personalidad de Sonja Khalecallon, personaje inventado haciendo un mix con los apellidos de Frida Kahlo y Sophie Calle. Una excusa tan buena como otra para dar a conocer una colección de canciones con espíritu punk, cumbres psicodélicas, electrónica loca, y reminiscencias de aquella escuela pseudotropical llamada exotica surgida a finales de los años 1950.

Nacida en Sao Paulo en 1978, Cibelle publicó su primer álbum en 2003, justamente el mismo año que se establecería en Inglaterra, donde aún vive. En 2006 aparecía un segundo trabajo, The Shine of Dried Electric Leaves, donde hacía dúo con Devendra Banhart en la versión del tema de Cateano Veloso London London. El arreglista de Banhart, Thom Monahan, figura en los créditos del nuevo disco de Cibelle, Las Vênus Resort Palace Hotel, que ha sido co-producido por Damian Taylor (Björk).

La misma Cibelle ha definido Las Vênus Resort Palace Hotel como una propuesta retro-futurista. Y una cierta sensación viajes en el tiempo, sí se recoge escuchando las trece pistas de este álbum, que contiene varias versiones que no debemos considerar, en ningún caso, como un relleno.

El excitante relectura de Lightworks, tema del pionero de la música electrónica Raymond Scott, es seguramente el corte más redondo de Las Vênus ... Cibelle también se pone en la piel de Ursula Andress, facturando Under the mango tree con una destacable calidez, entre paródica y vintage, que según como hace pensar en Pink Martini. Versiones aparte, es muy difícil resistir los encantos de Man from Mars, donde la cantante nos sitúa en un mundo ingrávido y bellamente desconcertante. Son, en fin, el tipo de contrastes y emociones que sólo podrían hallarse en un cabaret apocalíptico como el que plantea la insólita artista brasileña en este nuevo episodio de su carrera musical.

Las Vênus Resort Palace Hotel, de Cibelle, en iTunes y en FNAC

Excepción

2010-05-11T18:10:00.006+02:00

Cesária Évora
Palau de la Música Catalana (7 / V / 2010)

Desde que sufriera un serio percance de salud hace un par de años durante su gira en Australia, Cesária Évora dosifica su presencia en los escenarios internacionales. Visos de excepción, pues, en el concierto que la cantante caboverdiana ofreció el viernes por la noche en el Palau de la Música, cita encuadrada en el Festival de Guitarra. La señora Évora, de 68 años muy vividos, presentaba su último álbum, Nha sentimento, donde dispensa especial atención a la obra del poeta y compositor Manuel de Novas. Compareció acompañada por un combo de ocho músicos, a los que se sumaban dos coristas: un poderoso y competente equipo, cuyas virtudes se vieron deslucidas algunas veces por una sonorización francamente mejorable.

Tras el instrumental de rigor, Évora abrió fuego con una morna, el género que a lo largo de las dos últimas décadas ha dado a conocer a las audiencias de todo el planeta como nadie lo había hecho antes. Tras esta inicial Sentimento, entró de lleno en las canciones de su nuevo trabajo. Un repertorio muy marcado por la presencia de irresistibles coladeras como Zinha, Ligereza o Tchom frio, que destacaron en el programa combinados con pases samberos tipo Serpentina. Junto a su más reciente material, temas tan indispensables de su trayectoria como Sodade o Angola, amén de su conocida versión de Bésame mucho, que el público celebró de modo especial.

Pequeña y descalza, pese a los inconvenientes de los últimos tiempos Évora se mantiene como una voz de extraordinaria calidez, transmisión y, finalmente, embrujo. Eso es lo primero y principal, aunque también es cierto que la noche de autos la vimos con apariencia de estar terriblemente cansada. Incluso así, trazó un concierto exquisito sin lugar a dudas.

Publicado en La Vanguardia (10 / V / 2010)

Recorrido

2010-05-10T18:01:00.006+02:00

Gossos
Razzmatazz (6 / V / 2010)

Hace catorce años, Gossos actuaron en la entonces llamada Zeleste y ganaron un concurso de maquetas que les permitió grabar su primer disco. Desde aquel entonces no habían vuelto a actuar en la sala del Poblenou, donde la otra noche presentaron su nuevo trabajo, Dia 1, en compañía de público amigo y con visuales en el fondo del escenario. Si en sus inicios cultivaban una acusticidad bastante radical y encantadora, pasado un tiempo incorporaron un batería al grupo y fueron endureciendo paulatinamente su sonido.

El quinteto repasó prolijamente su nuevo álbum mediante canciones como Buscant espais o Ja no m´escoltes, rescatando temas antiguos como la emblemática Corren. Con Dia 1, el ya veterano grupo de Manresa nos habla de la necesidad de reinventarse, encontrar nuevos caminos vitales en un tiempo incierto. Caminos que, pese a algunos barnices musicales contemporáneos, siguen afrontando con cierto músculo setentero en la partitura.

Publicado en La Vanguardia (9 / V / 2010)

Ya quisiera él

2010-05-09T17:20:00.002+02:00

Ismael Serrano
Auditori (5 / V / 2010)

Ismael Serrano era de los más jóvenes de la generación de cantautores de los noventa. El madrileño reverdeció la canción protesta en los días de Aznarato con el tema Papá, cuéntame otra vez, una evocación del Mayo francés y sus derivados que tuvo importante eco entre cierta juventud. Tantos años después, sigue en primera línea, y ha presentado su último álbum (Acuérdate de vivir, 2010) en dos noches consecutivas en L´Auditori. En la primera actuó tres horas y cuarto, desgranando canciones nuevas como Podría ser, sobre el paro, o Regalo para un primer cumpleaños. También piezas de antaño que provocaron enormes focs de camp entre la audiencia, entre otras, Vine del norte o Sucede que a veces.

Con su deje vocal serratiano, cuidada escenografía y efectiva banda, Serrano sigue siendo una voz tremendamente social -y líricamente reiterativa- incluso cuando aborda tiernas historias de amor. No parece haberse movido mucho de lugar, para lo bueno y para lo malo. Una actitud que, en todo caso, nace de la honradez, como explica el propio Serrano en el tema Ya quisiera yo, donde reconoce que no puede ni quiere "omitir de mis canciones / palabras como: compañero, obrero, / justicia, guerrilla, paz, hambre o miedo".

Publicado en La Vanguardia (8 / V / 2010)

Rufus Wainwright al desnudo

2010-05-05T15:48:00.002+02:00

Rufus Wainwright tiene acostumbrada a la audiencia a todo tipo de malabares. Ha hecho discos de pop elaborado, se ha puesto en la piel de Judy Garland acompañado de una gran orquesta, e incluso ha escrito una ópera. Unas inquietudes —y unos conocimientos musicales— que lo singularizan en la casi siempre estimulante, pero a veces reiterativa, escena indie.

Este autor nacido en 1973, ha publicado hace algunas semanas su sexto disco, All Days Are Nights: Songs for Lulu, que presenta hoy en Madrid, y próximamente en Bilbao (dia 9) y Barcelona (día 11), con una serie de conciertos donde ha impuesto condiciones muy peculiares al público. Wainwright ha optado por la economía de medios, y ha grabado All Days Are Nights... solo al piano. Es un Rufus desnudo, tanto por la aparente sencillez del tratamiento musical, como por el contenido de algunas canciones del álbum, donde aborda cuestiones tan íntimas y dolorosas como la muerte, el pasado mes de enero, de su madre, la cantante de folk quebequense Kate McGarrigle.

Podemos contemplar a Rufus Wainwright como aquellos niños del circo que retratan las películas antiguas. Su árbol árbol genealógico respira música, tanto por la madre y el padre (el folksinger Loudon Wainwright III), como por la hermana pequeña, la cantante Martha Wainwright. Rufus comenzó a estudiar piano a la tierna edad de seis años, ya los trece ya hacía giras con The McGarrigle Sisters and Family, grupo donde también se encuadraban su madre, su hermana, y su tía, Anna McGarrigle.

All Days Are Nights... es un disco con ecos muy variados: pop, teatro musical, canción clásica ... El álbum consta de ocho temas de nueva escritura, junto con tres sonetos de Shakespeare que Rufus Wainwright musicó para el espectáculo de Robert Wilson y el Berliner Ensemble Sonette, así como una pieza en francés procedente de su ópera Prima Donna, estrenada el pasado verano.

Entre las canciones más emotivas del álbum destaca Zebulon, un tema crepuscular, de infinita y bella tristeza, escrito por Rufus Wainwright en circunstancias personales muy duras, que refleja en versos como "my mother's in hospital / my sister's at the opera" . Rufus dedica de manera explícita a su hermana otro tema del disco, Martha, nuevamente presidido la inminencia de la fatalidad familiar. Son numerosos los motivos de interés de All Days Are Nights..., un álbum que exige audiciones atentas para ir captando las virtudes de un artista que se muestra especialmente inspirado en la notable y expansiva canción The dream, así como en la obsesiva y arpegiada Who are you New York?

All Days Are Nights..., de Rufus Winwright, en iTunes y en FNAC

Adelanto

2010-05-04T17:02:00.003+02:00

Muchachito Bombo Infierno
Razzmatazz (30 / IV / 2010)

Mañana martes se pone a la venta Idas y vueltas, el tercer álbum de Muchachito Bombo Infierno, que llega al mercado tras tres años de silencio discográfico por su parte. Jairo Perera, sin embargo, presentó sus flamantes canciones con algunos días de adelanto en Razzmatazz. Con todas las entradas vendidas, y una elevada temperatura ambiental, Muchachito empezaba así una gira que se adivina exitosa, con fechas comprometidas en todo el Estado español y Latinoamérica. Manejando guitarra, bombo y pedal, se marcó dos horas de infatigable alarde rítmico. Iba muy bien acompañado para ello: le rodeaban otros ocho músicos (empezando por su socio, el teclista Tito Carlos, y terminando por los cinco elementos de la sección de viento), así como el pintor Santos de Veracruz, que en esta gira realizará un cuadro distinto para cada concierto.

Muchachito ofreció canciones del nuevo disco como Caraguapa, o su lograda versión del tema de Francis Cabrel La quiero a morir. También La pandilla voladora, servida en la tanda de bises, cuando el artista se había desprendido ya de la camiseta, y en la que contó con la colaboración de Tomasito y Los Delinqüentes. Junto a temas antiguos como Paquito Tarantino, Acicálense o la tan conocida Siempre que quiera, trabó un concierto de intensidad creciente, decorado con una entrega escénica que nada sabía de guiones previos, aunque la gestión del caos es algo que se le da bastante bien a nuestro protagonista. Así, ni el más pintado se resistió a la propuesta que se trae entre manos este músico de Santa Coloma: un cóctel que algunos llaman rumboxing, donde aúna rumba canalla, rock, tumbaos antillanos, jazz desparramado y demás requiebros con sabor.

Publicado en La Vanguardia (3 / V / 2010)

Memoria poética

2010-05-01T00:51:00.004+02:00

Joan Manuel Serrat
Auditori de Girona (28/ IV / 2010)

"Buenas noches. Perdonen que haya tardado un poco, pero es que no pude venir antes". Buen humor en el Auditori de Girona por parte de Joan Manuel Serrat, que se refería de este modo a la suspensión de la fecha inicialmente anunciada para su concierto en la ciudad (el 9 de abril). Restablecido ya el cantautor, este presentó al fin en Catalunya su nuevo disco, Hijo de la luz y de la sombra, donde revisita a Miguel Hernández. Es la segunda vez que Serrat consagra un disco a la palabra del poeta de Orihuela. Tras el primer álbum de 1972, y coincidiendo con el centenario del nacimiento de Hernández, quiso preparar una conmemoración que en principio no debía incluir más allá de dos o tres canciones nuevas. Pero el proyecto le fue creciendo entre las manos, de modo que acabó por alumbrar trece temas nuevos.

Ambos álbumes alimentan el programa de la actual gira serratiana, donde no hay lugar para Mediterráneo ni Paraules d´amor. Así lo avisó al público a temprana hora: "Este es un concierto cerrado, pero les prometo que la próxima vez que nos veamos haremos discos solicitados". Joan Manuel Serrat actuó ante 1.200 espectadores. Se había vendido todo el papel, pese al cambio de fecha y el sesgo balompédico de la noche. Aunque, cerca de este plumilla, un espectador asistía con una oreja en el recital, y otra conectada a un auricular.

El momento más épico del concierto se vivió con la veterana canción Para la libertad, como, de otro lado, era previsible. Casi tanta épica como el canto fraternal de Uno de aquellos, tema basado en el soneto escrito en homenaje a los soldados extranjeros que murieron defendiendo la República y sus libertades. Entre lo mejorcito del nuevo repertorio de Serrat destacaron también el fatalismo de Del ay al ay por el ay, la calidez de La palmera levantina y la dinámica Si me matan, bueno, especialmente bien acogida por parte del público.

Con los temas de reciente manufactura, y rescates de tanto calado como Las nanas de la cebolla o El niño yuntero, Joan Manuel Serrat pintó un espléndido fresco del poeta. Un recital donde ciertamente hubo memoria histórica y - si aún no está prohibido decirlo- conciencia de clase. Pero también la ocasión de apreciar al Hernández enamorado, al que glosa su paisaje, o al hombre que pide a Dios la perfección del alma. Memoria poética, en suma.

Publicado en La Vanguardia (30 / IV / 2010)

Esperando a Randy Newman

2010-04-28T15:55:00.003+02:00

"No hay mucha gente de la clase de Randy Newman". La frase es de Bob Dylan, uno de los admiradores de este artista norteamericano, que otras voces han comparado con referentes de la música del último medio siglo como Cole Porter, George Gershwin y Ray Charles. Aun así, el nombre de Newman resulta casi desconocido para la mayoría, aunque no se puede decir lo mismo de obras suyas como la canción You can leave your hat on, tema popularizado por Joe Cocker en el filme de 1986 Nueve Semanas y Media.

El próximo 4 de mayo, Randy Newman actuará en el teatro Zorrilla de Badalona, encuadrado en la programación del festival Blues i Ritmes. Será la primera actuación en el Estado español de un músico de trayectoria tan espléndida como atípica, ya que sólo ha publicado diez discos en cuarenta años, lo que, según declaraba él mismo hace un tiempo, le acredita como "uno de los cantautores más vagos de la historia ". Randy Newman cantará en Badalona solo al piano. Según las previsiones de los organizadores, oficiará un concierto dividido en dos partes, en el que también podría incluir algunas muestras de las muchas bandas sonoras que ha escrito.

Inventar música para el cine es, en realidad, la principal actividad de Randy Newman, que no hace más que seguir la tradición familiar iniciada por sus tíos Alfred y Lionel Newman. En esta vertiente de su trayectoria artística es donde ha conseguido dinero, y reconocimientos como el Oscar que ganó en 2002 por el tema If I didn't have you, de la banda sonora de la película de animación Monsters Inc. Fuera del negocio cinematográfico, Randy Newman ha publicado discos excelentes como Sail Away (1972), Trouble in Paradise (1982) o Harps and Angels, aparecido en 2008.

Este autor enamorado de la música de Nueva Orleans, inició su camino en la escena de Los Ángeles de finales de los años 1960 y principios de los 1970. En seguida quedó claro que Randy Newman era un caso aparte: una voz satírica que a lo largo del tiempo ha ridiculizado el ego nacional norteamericano en la canción de 1972 Political science, y ha pariodado la época yuppie en el tema I love L.A. (1983).

A pesar de las virtudes de sus canciones, y las versiones que de ellas han grabado artistas como Etta James o Tom Jones, Randy Newman sólo ha tenido éxitos puntuales y, según dice, "por razones equivocadas". Lo cierto es que nunca ha logrado el impacto ni la conexión generacional que acompaña el trabajo de coetáneos suyos como Joni Mitchell, Linda Ronstadt o Neil Young. De ahí que, a partir de la década de 1980, se centrara en el trabajo cinematográfico. El escaso éxito del Newman cantautor es un pequeño misterio, y quizás una gran injusticia. No es extraño que, en 2002, el director Jon Ronson titulara un documental sobre la figura de nuestro músico I Am, Unfortunately, Randy Newman.

Los discos de Randy Newman en iTunes i en FNAC

Balance

2010-04-27T19:44:00.004+02:00

Estopa
La Farga. L´Hospitalet de Llobregat (24 / IV / 2010)

A finales de la década de los noventa, los hermanos David y José Muñoz se ganaban la vida empleados en una fábrica filial de la Seat. Cuenta la leyenda que fue aquí donde gestaron la canción La raja de tu falda, contenida en su álbum de debut, publicado en 1999, y que alcanzó la friolera de 1.400.000 copias vendidas, cifra casi inconcebible para un primer trabajo. Empezaba así el fenómeno Estopa, un torbellino de éxitos reflejado hasta el momento en seis discos.

Una hora antes del concierto, largas colas a las puertas de La Farga saludaban la visita de Estopa a l´Hospitalet. Se habían vendido todas las entradas del concierto, enmarcado en las Festes de Primavera que organiza el Consistorio de la ciudad. Con su humor, el cantante del grupo, David, clarificó las cosas en los primeros compases de la gala: "Hemos preparado un concierto irrepetible, porque no tenemos ningún disco nuevo que presentar, así que vamos a hacer un viaje en el tiempo". Un más de lo mismo que, por lo demás, hizo las delicias de la audiencia, mayoritariamente joven, aunque el público familiar tampoco fue ajeno a la convocatoria.

Con siete músicos en el escenario, Estopa facturó una veintena larga de temas como El run run, Fuente de energía o Tu calorro. El programa incluía un set acústico con lectura poética, protagonismo para el cajón en la ya mencionada La raja... y el rescate de El del medio de Los Chichos. Unas canciones, como precisó el locuaz David, inspiradas en "lo que pasa en las esquinas y los rincones" de su Cornellà natal.

El balance de esta primera década se tradujo en una liturgia sin duda previsible, aunque notable en cuanto a la conexión establecida entre los músicos y unos espectadores que, prácticamente sin excepción, cantaron a coro y decoraron con claca el repertorio. Costumbrismo metropolitano medianamente canalla, servido con rumba rock: una fórmula sin demasiada sofisticación, y de músculo sonoro algo carroza (El yonqui es un buen ejemplo de ello), pero trabada con indudable efectividad.

Publicado en La Vanguardia (26 / IV / 2010)

Indies en Montjuïc

2010-04-25T19:22:00.005+02:00

Festival Escena BCN
Sant Jordi Club (23 / IV / 2010)

Que estos son buenos tiempos para la lírica, es una sensación que ha ido creciendo a lo largo de la última década, avalada por el trabajo de una serie de jóvenes bandas locales que han sabido abrirse camino en la casi siempre inclemente jungla de la música moderna. Hablamos de artistas que, más allá de sus diferencias musicales, comparten un mismo espíritu de independencia, alejado del modelo de negocio tradicional.

Algunos de los más conspicuos representantes de este movimiento no reglamentado, compartieron cartel anoche en Montjuïc, en el contexto de la primera edición del festival Escena BCN, que tuvo lugar en el Sant Jordi Club. Una sesión del largo recorrido (12 horas), que contaba con trece formaciones repartidas en dos escenarios. La oferta se complementaba con un par de pinchadiscos, encargados de amenizar las últimas horas de un evento que, siguiendo el guión, debía arribar a puerto a las seis de la mañana de hoy sábado.

Según los datos aportados por la organización, se habían vendido por adelantado 3.000 de las 4.500 entradas puestas a la venta. Aún así, los espectadores se tomaron con calma su asalto a Montjuïc,llegando de modo escalonado al festival. A las once de la noche eran aproximadamente 2.000 las personas que se congregaban en el Sant Jordi Club. Los primeros en llegar al local, a eso de las seis de la tarde, fueron los más jóvenes. Más tarde se irían incorporando a la fiesta los treintañeros, el grupo que constituye el grueso de población de este tipo de propuesta.

Al cierre de esta edición, Delafé y las Flores Azules ocupaba el escenario grande del festival, presentando su último disco, Vs. las trompetas de la muerte. Les había precedido el dúo Astrud, haciendo equipo con el Brossa Quartet de Corda. La primera en pisar este escenario fue Mürfila, con seis músicos y dos bailarinas en escena, y una desenfadada propuesta de punk-rock con aires siniestros. Tras Mürfila, le tocó el turno a Standstill, cuando todavía eran las ocho de la tarde, iniciando su actuación ante unos quinientos espectadores, cifra que se fue incrementando con el discurrir de su concierto. "Gracias por venir a estas horas", saludó Enric Montefusco, líder de la banda. "Esta es una buena causa, y estamos todos unidos", agregó.

En formato de sexteto -pues se había agregado al grupo una tuba-, Standstill trabó un concierto de 45 minutos con parada en algunos temas de su último disco, Adelante Bonaparte, como La familia inventada o la pieza que da título al mencionado álbum. También dispensaron atención a canciones pertenecientes a anteriores trabajos, como la emblemática Vivalaguerra.

En el momento de redactar esta crónica, aún no habían comparecido en Escena BCN Sidonie, Love of Lesbian ni Els Amics de les Arts, principales reclamos de la noche. Pero sí Mishima, que pese a actuar en el escenario pequeño trabó una espléndida actuación. El grupo de David Carabén presentó su reciente disco Ordre i aventura, estableciendo una bonita conexión con el público mediante temas como Guspira, estel o carícia, L´olor de la nit o Tot torna a començar, saludada con globos por parte de algunos de los espectadores.

Publicado en La Vanguardia (24 / IV / 2010)

Volcánicos

2010-04-24T16:20:00.021+02:00

Sonic Youth
Razzmatazz (18 / IV / 2010)

El día antes de comparecer en Barcelona, los chicos de Sonic Youth se felicitaban vía Twitter de haber sorteado los efectos del volcán Eyjafjalla, y se decían afortunados por haberse podido subir a uno de los pocos vuelos disponibles entre Nueva York y la Península. A este lado del Atlántico, muchos respiraron con alivio, y no porque la presencia de Sonic Youth en la ciudad sea inusual. La estadística nos dice que la banda nos ha visitado año sí año no en lo que va de siglo. Pero siempre en festivales. Su último bolo en una sala cerrada de Barcelona se remonta a la friolera de 14 años.

En teoría, Sonic Youth venía a presentar su último disco, The Eternal, que ya avanzaron parcialmente el año pasado en Primavera Sound, antes de que se pusiera a la venta el álbum. Quizá por ello, las canciones de este trabajo brillaron por su ausencia. Sonic Youth se dedicó en Razzmatazz a recrear viejos cañonazos, desde Candle hasta Death Valley´69, pasando por Tom Violence. Una sana muestra de inconformismo que, por lo demás, hizo las delicias de una audiencia realmente subyugada ante las precisamente volcánicas evoluciones de los músicos. Su noise rock explora límites con maravillosa temeridad, propiciando un extraordinario magnetismo con el público.

Publicado en La Vanguardia (23 / IV / 2010)

Serrat y Miguel Hernández, 38 años después

2010-04-21T15:30:00.001+02:00

Este 2010, se cumplen cien años del nacimiento del poeta Miguel Hernández. Coincidiendo con la efeméride, Joan Manuel Serrat publica el disco Hijo de la Luz y de la Sombra, donde pone en solfa y canta trece poemas de Hernández, autor a quien en 1972 ya consagró un álbum que —gracias a canciones como Nanas de la cebolla o Para la libertad— debemos contar entre los más destacado de su producción.

A consecuencia de una operación quirúrgica y la posterior convalecencia, Serrat tuvo que aplazar el inicio de la gira correspondiente a Hijo de la Luz y de la Sombra, previsto para el 27 de marzo. Finalmente, iniciará su periplo de conciertos el 23 de abril en Elche, con una agenda de compromisos para todo el Estado que culminará el día exacto del centenario de Miguel Hernández (30 de octubre) en su ciudad natal (Orihuela) . De momento, el nuevo álbum ya ha conseguido un Disco de Platino (más de 200.00 ejemplares vendidos). Excelentes resultados para un proyecto que, según explica Serrat en una carta abierta a sus seguidores, comenzó sin grandes expectativas: "En principio, la idea buscaba apenas refrescar el viejo repertorio con un par de canciones nuevas".

Joan Manuel Serrat ha musicado una selección de poemas de Miguel Hernández que comprende desde piezas de juventud como la cálida La palmera, donde el poeta exalta su paisaje, hasta obras de madurez como la canción que da título al disco. El trabajo arranca con Uno de aquellos, basada en el soneto de Hernández Al soldado internacional caído en España: es, seguramente, el mejor tema del álbum, tanto por la épica de su tratamiento musical, como por las palabras de fraternidad que escribió Hernández, glosando a aquellos hombres "que contienen un alma sin fronteras / una esparcida fuente de mundiales cabellos".

La guerra incivil de 1936-39 es indisociable de la obra y la figura de poeta, y también planea sobre otras canciones de Hijo de la Luz y de la Sombra, como la especialmente conseguida Canción del esposo soldado, que camina por bolero. Miguel Hernández murió con sólo 31 años en el penal donde lo había recluido el régimen del infame general Franco. Escuchando otro tema del disco, Sólo quien ama vuela, podemos visualizar al poeta encarcelado, intentando traspasar los barrotes con el poder de su imaginación.

Hijo de la Luz y de la Sombra desprende, la mayoría de las veces, un inquietante aire de fatalidad —de esa fatalidad que, al parecer, nunca nos sacamos de encima en tierras ibéricas. Destacan en el álbum las canciones de sabor amargo. Es el caso de Del ay al ay por el ay, con el tratamiento flamenco que acentúa el lamento, y de la muy significativa El hambe, donde el poeta rememora las privaciones que pasó durante su niñez y adolescencia, y nos advierte que pasar hambre es "el primero de los conocimientos / la ferocidad de nuestros sentimientos". El álbum incluye también una pieza de perfiles místicos, Dale que dale, donde destaca la colaboración del cantaor de Badalona Miguel Poveda.

Hijo de la Luz y de la Sombra. de Serrat, en iTunes i en FNAC

Hasta la vuelta

2010-04-19T16:02:00.003+02:00

Violadores del Verso
Sant Jordi Club (16/ IV/ 2010)

Mucho han cambiado las cosas desde que La Vanguardia cubrió por primera vez un concierto del cuarteto aragonés de hip-hop Violadores del Verso. Corría el 2002, y nuestros protagonistas actuaban en un club de l´Hospitalet de delicioso aroma underground. Ocho años después, han convocado en Barcelona la respetable cifra de cinco mil espectadores, que habían adquirido con quince días de antelación todas las entradas del recital. En lo que media entre una y otra convocatoria, los también llamados Doble V han batido varios récords, hasta convertirse en la escuadra de rap ibérico con más tirón. Y ahora lo dejan. Por un tiempo.

El concierto formaba parte de una gira previa a un anunciado parón de dos años como mínimo. Once temporadas después de publicar su primer álbum, los artistas han decidido dar prioridad durante un tiempo a sus respectivas carreras personales. Se anuncian nuevos discos en solitario de los tres maestros de ceremonias de la banda (Sho Hai, Líriko y Kase. O), y a buen seguro el pinchadiscos R de Rumba no tardará en dar señales de vida por su cuenta.

Su paso por Montjuïcdevino en una celebración: un extenso repaso por su carrera, donde hubo lugar para lo más popular y lo más insólito del cancionero violador. También para amigos como el maestro de ceremonias Xhelazz, que salió a escena en calidad de invitado. Fue una noche de muchas alegrías. Así se reflejaba en el semblante de los espectadores cuando sonaban temas como la primeriza Ballantains o Vivir para contarlo, el número estrella del último álbum, del 2006.

Como reivindica en una canción, este combo tiene funk, y recaló en sampleos de Michael Jackson y el primer Dr. Dree, sin olvidarse de préstamos de Jeanette o el rey Peret. Con una pantalla de vídeo en el fondo, propinaron a la afición una contundente sesión de rap afilado. Un artefacto de golpe seco y espíritu hardcore apoyado en el tremendo carisma (y los contrastes) de los tres vocalistas. Actitud fiera, palabra soez, pero también el fondo inteligente que acredita el trabajo lírico de los mejores rimadores modernos. Hasta la vuelta, chicos.

Publicado en La Vanguardia (18 / IV / 2010)

Ravi Shankar, Bollywood y los hippies

2010-04-14T11:00:00.019+02:00

En 1965, George Harrison tuvo la feliz idea de incorporar el sonido del sitar en la música de los Beatles: primero, tocando este instrumento en una escena de la película Help!, y más tarde añadiendolo a la canción Norwegian wood, incluida en el álbum Rubber Soul. Al año siguiente, los Rolling Stones seguirían su ejemplo con el tema Paint it, black, como no han dejado de hacerlo posteriormente una larga lista de músicos que va de Jimi Hendrix a Coldplay, pasando por Stevie Wonder y Metallica.

Si Harrison decidió hacer entrar el sitar en el menú del pop, fue por el ascendente de Ravi Shankar, músico de gran influencia en diversos ámbitos. Entre sus admiradores más destacados se halla al saxofonista de jazz John Coltrane, que bautizó a su hijo con el nombre de Ravi en homenaje al sitarista. El compositor Philip Glass lo considera también "el padrino, la madre y el padre" de la world music. Así lo afirma en el prólogo de la autobiografía de Ravi Shankar, Mi Música, mi Vida, un relato donde el artista bengalí explica su trayectoria artística y personal, y transmite al lector de una forma especialmente amena la esencia y las características de la música clásica india.

El maestro del sitar ha estado construyendo puentes entre Oriente y Occidente desde que, a mediados de la década de 1950, se propuso acercar la música de su país al público de Europa y América. Los primeros años de este apostolado, como reconoce el libro, fueron bastante duros, con audiencias escasas y desastrosos resultados financieros. A partir de la relación con los Beatles y la explosión mediática del sitar, ganó una gran popularidad entre los más jóvenes, participando en los festivales de Monterrey (1967) y Woodstock (1969).

Ravi Shankar tiene palabras amables, tiernas y sinceras, para George Harrison, a quien instruyó en el manejo del sitar varias veces. Pero también marca distancias con el movimiento hippie de la época, del que se alejó a partir de los años 1970: "Era gratificante, desde luego, ver que mucha gente quería la India y toda su cultura, pero la expresión de su amor era superficial, y la asimilación de lo indio, insuficiente. Llevar pulseras, campanillas, flores ... se convirtió en una farsa y una burla en su sentido auténtico ", escribe.

Nacido en 1920, Shankar pasó parte de su infancia y adolescencia en París, trabajando en la compañía de danza de su hermano Uday, y dudando al principio entre dedicarse al baile o la música. A pesar de su avanzada edad, continúa ofreciendo conciertos, y se muestra significativamente preocupado por el futuro de la música clásica india, que considera "en peligro de extinción en su propia tierra". Constatando que las generaciones actuales de su país consumen Bollywood, pop y rock, opina que "los efectos de esta nueva cultura son tan negativos como positivos ... La parte negativa es que estamos perdiendo muchos aspirantes potenciales a la música clásica que se inclinan por Bollywood, ya que es más accesible y divertido, y es una vía fácil para el éxito material ".

Mi Música, mi Vida, de Ravi Shankar, en Casa del Libro
Los discos de Ravi Shankar en iTunes i en FNAC

El concurrido Cadillac de Loquillo ruge en Barcelona

2010-04-11T16:44:00.052+02:00

Loquillo
Sant Jordi Club (9 / IV / 2010)

A meses vista de cumplir los cincuenta años, Loquillo convocó anoche en el anexo del Palau Sant Jordi a su público incondicional, con el que compartió la celebración de sus tres décadas en el negocio discográfico y, por extensión, musical.

El concierto fue seguido por un público ya entrado en años, algo más de 3.000 personas, que llenaban la pista. Se trataba mayoritariamente de espectadores entre los treinta y cuarenta y tantos años. Eran pocos los veinteañeros a la vista, aunque también se pudo observar a algunos adolescentes acompañados de sus progenitores. Por otro lado, resultaba de lo más fácil tropezarse con aficionados vistiendo chaquetas de cuero, muestra viviente de que algunas modas se resisten a pasar de ídem.

Loquillo apareció en escena con casi media hora de retraso, descorchando la función con Las calles de Madrid. "Los que habéis venido de fuera, bienvenidos a mi ciudad", dijo algo más tarde a modo de saludo. Seguidamente, y en catalán, cumplimentó al alcalde de la ciudad, Jordi Hereu, y al presidente del FC Barcelona, Joan Laporta, presentes en el concierto.

El rockero barcelonés planteó una gala de largo recorrido, por encima de las dos horas, que quiso dedicar al recientemente fallecido Malcolm McLaren. Con traje negro, zapatos de charol y tonos grises en su sempiterno tupé, desgranó un total de 28 temas, entre ellos El rompeolas (que interpretó cigarrillo en mano), Cuando fuimos los mejores, Carne para Linda o Feo, fuerte y formal. También versiones de Johnny Cash (Hombre de negro), Burning (Qué hace una chica como tú...) y Los Sirex (Maldigo mi destino). Presentando esta última canción, Loquillo excusó la presencia de Leslie, el cantante de los Sirex, quien según dijo "se encuentra convaleciente".

Ya en la tanda de bises, se sumóa la fiesta Sabino Méndez, antiguo compañero de fatigas de Loquillo, con quien en el pasado mantuvo serias diferencias artísticas y personales. Guitarra en mano, el ciudadano Méndez -que fue aclamado por el público- colaboró en la traca final marcada por temas como El ritmo del garaje y Cadillac solitario.

El espectáculo Rock & Roll Star 30 años, oficiado en el Sant Jordi Club, formaba parte de la programación del Festival de Guitarra de Barcelona, un instrumento que el propio Loquillo ha reconocido no dominar, pese a que posee una importante colección de ellas. Loquillo -que hace unos años dejó de trabajar junto a los Trogloditas, su banda de casi toda la vida-, compareció en Montjuïc arropado en el escenario por los guitarristas Jaime Stinus e Igor Pascual, la bajista Laura Gómez-Palma, el batería Laurent Castagnet y el teclista Santiago Comet.

Siendo la música la principal y más definidora faceta artística de José María Sanz, en sus tres decenios de vida pública ha emprendido también otras actividades, entre ellas la de actor en películas como La ciudad de los prodigios, de Mario Camus, así como la literatura. En este último capítulo, su balance es una novela publicada (El chico de la bomba, 2002), y otra a punto de salir. Se llamará Barcelona Ciudad, y según ha señalado el propio Loquillo la acción se sitúa a finales de los años 1970, precisamente la época en la que este barcelonés oriundo del barrio del Clot batía sus primeras batallas en la jungla del rock.

Rock & Roll Star 30 años es el primer round de una celebración de mayor calado. Tras esta gira, a partir de febrero de 2011 Loquillo emprenderá una segunda tourné de características totalmente distintas. La nueva propuesta tendrá lugar en teatros, buscando el intimismo necesario para que Loquillo pueda dar un repaso antológico a sus obras más reposadas, como los discos de poesía cantada que grabó junto a Gabriel Sopeña, la incursión en el mundo del jazz que hizo en Nueve tragos, y las canciones que formaron parte de la banda sonora del filme documental Mujeres en pie de guerra, dirigido en 2004 por Susana Koska, su compañera sentimental. Para entonces, ya estará en la calle -y en el repertorio de esta segunda gira- un nuevo disco de Loquillo y Sopeña consagrado a la poesía, y más concretamente a la palabra del autor madrileño Luis Alberto de Cuenca.

Publicado en La Vanguardia (10 / IV / 2010)

Banderines

2010-04-09T14:42:00.004+02:00

Benjamin Biolay
Palau de la Música Catalana (7/ IV / 2009)

Benjamin Biolay regresó al Palau, presentando su reciente trabajo, La superbe, un disco doble aparecido el pasado mes de octubre, que ha aunado el reconocimiento crítico y el éxito comercial en Francia. Biolay planteó un concierto prolijo, repasando gran parte de su nuevo cancionero (desde la inicial Tout ça me tourmente a la postrera Brandt raphsodie), y refrescando temas de antaño como Dans la Merco Benz o Les cerfs-volants. Esta vez le acompañaba un quinteto superior, formado por multiinstrumentistas que cuando la ocasión lo requería manejaban instrumentos tan distinguidos como arpa o el theremin.

Con su cara aniñada y su áurea de canalla, Biolay narra el amor y sus pérdidas con voz grave y áspera, rezumando un elegante sexappeal. Ello resulta ser un importante banderín de enganche de su propuesta, aunque no el único. Autor de peso -como bien sabía el llorado Henri Salvador-, intérprete de dicción larga, es asimismo un músico de raza, al que de modo bastante acertado se sitúa en la estela de Serge Gainsbourg. Sus canciones, construidas con saludable complejidad, se fueron desplegando en un abanico de registros que comprendía interpretaciones al piano de lo más canónicas, electrónica oscura, pop de mirada ochentera, y otros saludables ejercicios.

Publicado en La Vanguardia (9 / IV / 2010)